They Watch Us

4u

2012-01-01T01:36:00.005-02:00

Ao ano em que muitas coisas mudaram. E diga-se... ainda bem! E com isso o tempo também mudou: foi reduzido. Ao ano em que alguns amigos sairam de cena, talvez por escolha deles, talvez por minha mesmo. Ao ano em que outros que eu já conhecia entraram pro elenco principal, me surpreenderam muito com a parceria e a confiança mais do que pude imaginar antes, me ajudaram. Me chamaram. Estiveram do lado. Àqueles que conheci na correria do dia-a-dia e enfrentam problemas do trabalho na força e na coragem lado a lado, ajudando com lágrimas e abraços, com bom-bons e post-its. Àqueles do tempo de colégio que converso como se ainda matássemos aula na padaria. Ao ano em que aprendi a não sofrer tanto por quem não merece. Ou melhor ainda: não sofrer pelo término de algo que ainda nem começou! Aos amigos que moram em outra cidade e passam horas conversando comigo de madrugada. Aos que me acompanham nas baladas, nas furadas e nos boca-livres. A alguns amigos da faculdade, pessoas loiras que viraram família e me fazem muita falta quando não estão por perto... é, você mesmo que eu to falando, rsrs.

FELIZ ANO NOVOOOOOOOOO A VOCÊS TODOS!

INCLUSIVE A VOCÊS DO BLOG, QUE TAMBÉM TÊM PRESENÇA NO QUE EU DISSE.

O Expresso dos 30s

2011-08-22T14:54:00.008-03:00

O Expresso da Meia-Noite dos Anos 30"*

E se você caísse na prisão por algo que não fez? Lutaria para provar sua inocência ou cansaria das tentativas frustradas e fugiria? Impossível não ver mais crítica social em um filme americano dos anos 30 -- bem naquele período chamado "Grande Depressão" -- do que em I Am a Fugitive From a Chain Gang. No Brasil, "O Fugitivo".

Paul Muni faz um rapaz de família que volta da Primeira Guerra Mundial querendo revolucionar sua vida. Segundo ele, tudo o que passou serviu de inspiração para que procurasse sua real vontade na vida. Passar o resto de sua existência atrás de máquinas e paredes era impensável. A grande "lente" pós-Tempos-Modernos. Sendo assim, contrariando sua mãe e o irmão [um reverendo], Paul não aceita o trabalho anterior na linha de produção de uma fábrica e sai em uma dura jornada aspirando se tornar um grande engenheiro civil.

Pois bem, suas dificuldades começam. Seu personagem, James Allen, não encontra estabilidade em nada. Novato na profissão percorre quase todo o país em busca de oportunidades. Esgotadas suas opções, o dinheiro fica escasso e moradia também. James conhece um parceiro de trabalho que o leva a uma lanchonete garantindo que o dono lhes daria algum sanduíche de graça. O que não sabe é o seguinte: no meio da refeição, seu amigo decide assaltar o estabelecimento e, rendendo ambos com uma arma, obriga-o a pegar todo o dinheiro do caixa. A polícia então aparece e prende James. Em sua primeira cena memorável no longa, Paul Muni nega assustado ser parte de tudo aquilo. Seus olhos brilham e já é nítido a indignação pela qual vai passar. Indignação e mudança.

Na cadeia, o trabalho braçal é esgotante e as más condições dos presos amarrados em correntes são mostrados sem maiores pudores. O desgaste faz parte da fisionomia, da caracterização. Quem não trabalha direito é açoitado pela noite e se desmaiar... pior ainda. Por ironia, até um simples movimento de enxugar a testa com a manga da camisa precisa ser informado aos guardas.

As cenas de fuga e perseguição são todas muito bem projetadas para o tempo em que foi filmado. Nada está fora de propósito ou artificial. Muito menos o medo permanente nos olhos de James. Revoltado com todos os trâmites insolúveis e engrenagens quebradas do sistema político, chega a declarar que o Estado deveria ir preso, não ele.

A maior artimanha do longa proposto pelo diretor Mervyn LeRoy é ser enxuto e preciso. Talvez por se basear em um livro, a biografia de Robert Elliott Burns, os 93 minutos estão todos bem distribuidos. Não cansa e possui ritmo.

Um modo revolucionário de dizer como os honestos são forçados a serem desonestos, e como um bom homem não mudou, mas foi mudado.

________
* http://theywatchus.blogspot.com/2009/05/o-expresso-da-meia-noite.html

Viajante

2011-08-04T06:35:00.008-03:00

"...don't let's ask for the moon.
We have the stars."

O que te faz sentir como os outros? Alguém capaz de amar e ser amado, de compreender e ser compreendido? Qual esse componente inexplicável dentro de cada ser? Algo que traga força a uma pessoa, que lhe recobre as perspectivas de vida. Sua vontade de vencer, de lutar. Uma simples mudança que garanta a auto-confiança e o amor próprio.

Este é um dos principais questionamentos de "Now, Voyager" [ou, A Estranha Passageira], filme de 1942 dirigido por Irving Rapper e estrelado por uma Bette Davis aos 34 anos, no auge de sua - por assim dizer - juventude.

Tia Charlotte é uma moça solteira que mora sob os cuidados da mãe e é tratada por todos como chacota da família. A ovelha negra. O patinho feio. Ela anda com os ombros ligeiramente arqueados para baixo, não possui postura e é de poucas palavras. Dos inúmeros problemas, é difícil escolher qual o mais grave em sua situação. Existe a escolha entre ser independente ou permanecer cabisbaixa por imposições alheias descabidas, a arrogância e tirania irritante da mãe que a suga e a vê como uma empregada particular e as culpas sem fundamentos de uma época muito rígida. Mas o pior de todos, talvez, seja sua beleza. Por trás de um vestido grande, alguns quilos a mais, sobrancelhas desfeitas e óculos existe alguém que precisa ser feliz.

O nervoso visto nas mãos aflitas reflete bem o que é estar aprisionada em seus próprios medos e angústias. O medo de cometer erros antes mesmo de tentar algo é a pior barreira. Seus ataques demonstram isso com uma riqueza de detalhes sutis que desde o começo é possível colocar-se ao lado da personagem.

O médico que é chamado para observar a filha - Dr. Jaquith [Claude Rains] - constata que ela está doente, mas que não existe nenhum sinal de demência ou insanidade. Ela sabe articular as palavras a ele, sua teorias; compreende perfeitamente o que a cerca.

Em determinado trecho do longa, a citação de que existem "artefatos" escondidos no quarto que a moça tranca a chaves surge. Existe até uma interessante especulação sobre o que é escondido atrás dos livros de Charlotte. No filme não é possível saber, mas de acordo com o livro homônimo de 1941 que inspirou o roteiro, seu autor tráz a seguinte passagem:

***

"The color mounted to Charlotte's face. She had left for Cascade so unexpectedly last fall that she had failed to remove a number of articles from the dark tunnels behind her books -- cigarettes, three reclining bottles of medicated sherry, so bitter she'd never been able to consume but half of one bottle, a pink tin make-up box, and all that literature which her mother considered indecent."

Olive Higgins Prouty

"O rubor se ascendeu sob o rosto de Charlotte. Ela havia se retirado para Cascade de forma tão inesperada no último outono que tinha esquecido de retirar inúmeros itens do escuro túnel atrás de seus livros -- cigarros, três garrafas de xerez, tão amargo que não tinha conseguido sequer beber mais do que meia garrafa, um estojo rosa de maquiagem, e toda aquela literatura que sua mãe havia considerado indecente."

ps. tradução minha. s. eu poria algumas notas de página para explicar algumas coisas omitidas, mas, enfim...

***

Embora pareça uma afronta a família, permanecer um tempo longe de sua mãe é mais do que necessário para a recuperação. E isso acontece. Charlotte se desloca para um sanatório.

Antes de retornar ao lar, Bette Davis encara como parte do teste de valorização de sua auto-estima um cruzeiro para a América do Sul. Lá, pega um táxi com um ator que não é brasileiro, mas provavelmente português ou espanhol, se envolve com um homem, visita o Pão de Açúcar, passa pelo Cristo Redentor e etc. Momentos inesquecíveis do cinema hollywoodiano em final de 2ª Guerra Mundial que deveria ser assistido por todos que admiram a sétima arte.

Em meio a romances e dúvidas, Charlotte tem o poder de se chocar contra seu próprio antigo reflexo na segunda metade do longa e reparar em quantos aspectos ela estava errada. Em outras palavras, ao voltar para o sanatório se vê na imagem de uma pequena paciente. Algo único e comovente. Cenas que ajudam a edificar o real caráter de Charlotte. Seu lado afetuoso. Humano. Um jogo do destino, afinal não sabe sobre a família da menina. Uma chance - irônica - de não só contornar um destino horrível mas fazer as pazes com sua nova vida definitivamente.

A cena final carrega um dos diálogos mais inteligentes e fortes para o desfecho de um filme. Aliás, durante as 2 horas não existe uma única linha de texto que não seja forte e necessária. A emoção carregada nos olhos, segurando o cigarro, que antes nunca tinha podido segurar, é subjetiva e não necessita de explicações. Sem cenas muito previsíveis, Now Voyager demonstra que apenas nós temos o poder de mudar nossa vida quando é preciso, e esse é o melhor caminho.

Tradução

2011-06-12T02:16:00.006-03:00

Uma pequena brincadeira feita na faculdade. Se googlado, o texto é de autoria do próprio autor do blog, então não tem problema!

Simples Divisão

Sou quem sou
Mesmo tentando não ser
Digo agora:
Que alegria em perceber!

Pra que se confundir
Quebrando espelhos de amargura
Pra no fim... pisar cheio
Em fortuna!

Difícil há de ser
Não existem planos macios
São os pés
Que pisam até em rios

Pra que dúvida
Duas metades se completam
Nunca se anularão
São apenas o seu todo

Aquele que não sabe
Não te entende
Será o parvo
Por mais que tente.

Eddie

2011-06-09T00:01:00.007-03:00

NOVAS ONDAS

Eddie Vedder lançou no final do mês de maio deste ano o disco solo Ukelele Songs. Muita gente que curte música e sites de mídia em geral já deve ter notado. A arte da capa é linda. Nos arranjos: apenas o ukelele. Mas e o conteúdo?

As novas composições (com alguma exceções -- like Can't Keep e o cover de Dream a Little Dream of Me) requerem paciência e calma. Não é rock. Não é pop. Para os mais afoitos, o áudio se torna cansativo lá pela quarta faixa, o que torna o disco visivelmente não tão comercial. E claro, a intenção de lançamento jamais iria ser essa. O truque é escutar de mente aberta e sem grandes expectativas os 30 minutos de gravação. Deixar rolar.

Talvez se algumas canções fossem um pouco mais lentas e outras um tanto mais melódicas aquilo funcionaria -- para não dizer melhor -- de uma forma diferente.

Mas é impossível desqualificar tanto assim Ukelele. É óbvio que o trabalho diz muito ao autor e seu amor pela música. A Billboard, por exemplo, compara o conjunto criacional a um cenário de "Insônia. Luas. Oceanos." A metáfora surfista não é nem de longe errada. Existe o "zen", entende? Ter um ambiente lounge-praiano com o som do vocalista do Pearl Jam de fundo é muito bom, sem dúvida. Até agora não existe fã real da banda que tenha rejeitado por total essa compilação. Compilação que merece o adjetivo sim de, exagerando um pouco, única.

Um dos problemas é que ao mesmo tempo que mostra caráter, parece ter faltado um pouquinho de alma. Por isso a obra transmite uma impressão de mediana. Às vezes é possível ter a sensação de ter ouvido apenas 1 música em vez de 16 faixas, não pela falta de outros instrumentos, mas pelos ritmos envolvidos. Ele não faz muito jus ao instrumento havaiano que tem o poder de soar como puro sentimento. Uma amostra disso pode ser conferida no seu prévio cd solo -- excelente -- "Into The Wild" (trilha sonora do filme homônimo).

Curioso.
Mas digno de ser avaliado.
Pelo menos para não considerar o post contraditório: quis dizer, disse, se contradisse, e depois não disse mais.
rs

Os Irmãos

2011-06-08T01:27:00.008-03:00

Grimm

Assistindo eu a um Podcast do Omelete.com.br, fiquei curioso e tirei meu livro The Complete Illustrated Works of The Brothers Grimm da estante. Os contos que deram origem aos desenhos da Disney e essa onda de "adaptações adultas" aparentemente largadas por Tim Burton. Felizmente, porque mesmo fã estilo Anne-Rice-e-etc, cansei dos mordedores.

O ambiente dos alemães Jocob e Wilhelm (os tais autores), embora datem aproximadamente de 1810 em sua produção, nos leva a um mundo freak grotesco. Existe sangue e decepações. Decepações mesmo, não decepções. A única coisa igual é que Chapéuzinho Vermelho ainda é inteligente o suficiente para dar a localização exata da avó para o lobo.*

O livro contém quase 200 histórias traduzidas em inglês do original. Cada conto não passa de, no máximo 5 páginas; sendo a maioria em torno de duas. O ritmo é bem corrido. Cada história possui um ou mais desenhos feitos a mão. Não há detalhes nem explicações, apenas narração pura e rápida. É certo que ler muitas páginas de uma só vez cansa, é tudo muito igual, mas o clima antigo é tão presente que torna o volume interessante. Instrumento de comparação até para os curiosos das versões que surgiram depois. E claro... cada título não ia deixar de começar com "Era uma vez..."

O caso de "Inteligente Alice", por exemplo, não foge à regra. Perceba, não existe absolutamente nenhuma semelhança com a Alice de Lewis Carrol e a história é simples. Ao perceber um machado preso no teto do porão quando vai buscar cerveja a família e ao pretendido marido, Alice começa a chorar sentada no chão. Cada um que vai ao seu encontro ouve o mesmo motivo: de que quando tiver um filho (que absurdamente ainda nem existe) ele será morto com um golpe do objeto que se soltará das alturas. Detalhe, o filho sofrerá isso quando também estiver buscando cerveja. Pergunto-me: criados servem para quê se você trata seu filho como um, não é? Hans -- o tal futuro marido -- vê toda a preocupação de sua noiva e se casa por esse motivo. Tudo é tão estranho, que a única explicação do machado é ter sido deixado por "pedreiros" (que pedreiros?!?!). Depois de casada, Hans pede que vá colher milho para fazer pão. Resumindo: ela dorme depois de comer seu lanche, o marido vê, ela se questiona se é mesmo a Inteligente Alice por ter feito isso, ele diz que não (que a verdadeira já está com ele) e ela vaga eternamente tentando encontrar seu Eu. Filosófico.

As outras tramas seguem a mesma linha inexplicável de eventos. As filhas da madrasta de Cinderela costumavam colocá-la à mesa de jantar nua e com sapatos de madeira. A própria madrasta faz a moça se ajoelhar e colher os feijões jogados nas cinzas umas três ou quatro vezes por puro sadismo. O primeiro vestido conseguido caiu da árvore plantada no túmulo da mãe. O sapatinho, que não era de cristal mas sim de ouro, só apareceu na 3ª noite de baile; sendo que todas as noites Cinderela dançou com o príncipe e fugiu dele depois (como não identificar uma mulher que dançou três dias seguidos com você?) No final, os sapatinhos couberam sim nas filhas da madrasta. O motivo? A mãe tinha lhes dado uma faca para que cortassem os dedos e os calcanhares fora. O príncipe só percebeu a farsa quando o sangue começou a escorrer. A punição para as filhas? Cegueira. (Imagem de http://araniel.deviantart.com/)

Branca de Neve (impossível saber se apenas o nome é igual) aparece ao lado de uma irmã chamada Rose-Red (uma tradução que não funcionaria tão bem no português) cuidando de um urso ao lado da mãe viúva. A preocupação do urso quando deixa a casa da família é ir até a floresta e proteger seus tesouros dos maléficos anões. Não existe conto sem magia. Logo, é fácil de adivinhar que existe algum encantamento no urso. E existe mesmo. O filho do rei tinha sido preso no corpo do animal graças a uma maldição lançada pelo anão.

A coletânea lembra os antigos episódios de Além da Imaginação com Teatro dos Contos de Fada (programa que ia ao ar na Tv Cultura). É gostoso acompanhar os casamentos arranjados, as ordens estranhas dos pais aos filhos, os animais que falam, os feitiços e outras esquisitices.

Um grande registro do mundo de fantasia literária.

* imagem disponível em: ttp://www.petshopboxstudio.com/blog/2010/08/weekly-inspiration-31/

Próxima estação: unknown

2011-04-05T06:49:00.007-03:00

Trem Partido

Um livro que possui como epígrafe, além de Fernando Pessoa, o seguinte recorte --

"Somos todos retalhos de uma textura tão disforme e diversa que cada pedaço, a cada momento, faz o seu jogo. E existem tantas diferenças entre nós e nós próprios como entre nós e os outros.

Michel de Montaigne, Ensaios, Segundo Volume, I."

-- não possui tudo pra ser bom?

Um professor de renome levanta-se de repente no meio de uma aula e abandona tudo entrando em um trem para pesquisar a vida de um homem desconhecido que liga-se intrisecamente com seu próprio ser.

Infelizmente a gente nem sempre dá sorte quando passa por um volume em alguma livraria e sem indicação resolve comprá-lo. Sem ação nenhuma, nem em nível psicológico, Trem Noturno Para Lisboa, não consegue cativar. Seu intuito é, sem dúvida, discutir filosofia com o plano de fundo da vida de um médico resistente no regime autoritário de Salazar em Portugal. Interessante? No mínimo. Querer discutir, porém, é muito diferente de discutir.

Revisar fatos em palavras parnasianas não é ter impacto ou profundidade. Não é argumentar. Ao longo de mais de 400 páginas (que poderiam cair pela metade sem nenhum ônus para a narrativa), o decorrer de pensamentos exaustivamente repetitivos sem nenhuma conclusão desperdiça lindos cenários e ótimos contextos.

O personagem central com o passar do tempo vai se tornando irritante pela sua falta de rumo. Não que seja inconciso no modo como foi construido, de maneira alguma. Ele é alguém real embrulhado em um labirinto constante de escuridão e perguntas. Ele é crível. Mas quando já se está na metade do romance e tudo o que salta aos olhos do leitor são frases entre aspas que já foram lidas antes e não o motivo delas, aquilo tudo parece perder o sentido. Não é possível mais saber qual a intenção do autor. De onde se saiu e para onde se vai. A confusão causada pela falta de propósitos nítidos quando se atravessa metade da leitura causa tédio, e não interesse pelo fim.

É legal poder discutir o que aquele enredo todo pode trazer à vida de alguem, ou o que trouxe à vida próprio personagem. Ironicamente, conseguimos encontrar isso até em Stephen King . Qual, então, a razão de não absorver nada da ideia de Pascal Mercier (pseudônimo do filósofo Peter Bieri)? Lirismo mal sustentado não garante parágrafo.

As únicas coisas boas de Trem Noturno são as epígrafes e as cartas de um dos personagens transcritas em itálico (os únicos elementos que de fato levantam alguma filosofia, mas que não são aproveitadas).

Uma tentativa frustrada de misturar Quando Nietzsche Chorou com A Sombra do Vento (livro que é citado injustamente na capa).

Publicidade é a alma do negócio?

Sóis e Mais Sóis

2011-01-23T01:52:00.008-02:00

A Thousand
Splendid Suns

Como contar uma história ficcional mas com base na realidade pura? Sem pudor de mostrar os sentimentos humanos, os pensamentos omitidos, ou de parecer piegas, Khaled Hosseini desenvolve A Cidade do Sol de uma forma muito parecida com o seu antecessor best-seller O Caçador de Pipas*, mas sem pecar por isso. É lógico, é preciso ter paciência pra observar o passar de toda a história. E muita paciência, afinal as quatro partes em que o romance é dividido abrange quase -- senão -- toda a vida dos personagens. Há muitas descrições, principalmente políticas (dos governos passados, a história local, as invasões, as tomadas de poder, os talibãs, o 11 de Setembro que não passa em branco mais uma vez, etc), mas interessantes. Detalhe é o que não falta. Quase uma telenovela.

Embora relativamente preenchido por idas e vindas, tudo é fácil de se acompanhar. Primeiro existe Mariam. Nessa fase fica quase impossível não pensar que até o resto das páginas tudo vai girar em torno dela, em torno de seu pai que a teve fora do casamento, e de sua mãe afastada da família principal junto a ela. Ponto. De órfã a mulher. De mulher a humana. Cada partezinha, cada memória vista com carinho ou com sofreguidão é um dos truques do autor para fazer o leitor se aproximar do intenso relato. Pode ser através de um simples poema persa a uma citação interna. Detalhe: o próprio título original, Milhares de Sóis Esplêndidos, faz uma referência a um destes poemas transcritos.

Every street of Kabul is enthralling to the eye
Through the bazaars, caravans of Egypt pass
One could not count the moons that shimmer on her roofs
And the thousand splendid suns that hide behind her walls

[Saib-e-Tabrizi]

Quando você se depara com a segunda parte, Laila, a menininha que vivia na região e aparecia às vezes no olhar de Mariam, torna-se então também um dos personagens principais. Agora ela deixa de ser a filhinha de uma das vizinhas "modernas" e faladeiras, pra surgir como heroína de uma catástrofe. Já é possível perceber a razão de dedicar o livro às mulheres do Afeganistão, mulheres que, nas palavras aproximadas de Hosseini "aguentam tudo sem poder reclamar, como uma rocha no leito de um lago". Como Mariam, Laila é um retrato vivo da negligência exacerbada daqueles que arrasam um país e suas famílias pelo poder. Perde os pais que tanto amava por uma explosão, o garoto de boa índole por quem tinha sentimentos vai embora, e se vê sozinha ainda na pré-adolescência.

Essas duas vidas são construidas com cuidado e tempo até que se colidem de maneira bem criativa no terceiro e penúltimo período. Seria o destino? Esse destino teria o nome de Rashid? Um dos momentos cruciais responsável por denunciar vivamente as atrocidades dos maridos às suas esposas e dos governantes aos pobres cidadãos. Tudo tido como normalidade. Momento em que inimizade perde totalmente o motivo de existir e a força da cumplicidade ganha ritmo e gancho para direcionar o desfecho. Khaled deixa óbvio que se existem sacrifícios, existem consequências desses sacrifícios. E Laila entende bem o significado.

Pra ser lido com paciência.
Um livro evidentemente escrito com carinho e percepção.
Sem dúvida, difícil de se esquecer.
* http://theywatchus.blogspot.com/2009/07/de-repente-um-livro.html

ME

2010-12-15T04:24:00.007-02:00

"Escrever este livro me permitiu explorar os diversos caminhos e experiências que me levaram a ser quem sou hoje"

Certa vez alguém me disse: "Dá pra ler rápido. É bonitinho. Você vai gostar". Pois bem. Depois de encerrar alguns livros começados e terminar as provas da faculdade, sai, fui ao shopping com um amigo e comprei: "Eu - Ricky Martin", lançado dia 2 de Novembro desse ano. Uma boa pedida pra quem já está um pouco saturado e procura algo não-ficção. Por toda polêmica ao redor do cantor, saber dos acontecimentos por ele mesmo é chegar ao centro da informação. E quem tem a informação, tem a arma, não é?

Talvez a jogabilidade de manter o relato todo mais como um livro de memórias do que como uma biografia em si faz com que o livro não saia do propósito. As linhas fluem com suavidade. É fácil, prazeroso de ler. Algumas vezes pode soar repetitivo, impossível não observar. Ricky sempre afirma que passou por determinada experiência para crescer espiritualmente, que foi necessário e agora consegue compreender, ou que se teve que lidar com algo foi para aprender mais sobre si mesmo, etc; mas o tom íntimo narrativo é tão agradável que essas repetições não ficam pedantes. O porto-riquenho consegue expor suas crenças do modo como as vê e cabe ao leitor ter o raciocínio aberto pra absorver algumas sem ceticismo. Sem pensar em publicidade forçada ou demagogia, mas em ética. Não existem fatos, mas pensamentos interligados. O mais importante são as confidências, e não o número de páginas.

Ler pode ser interessante até para os que não são fãs. Saber previamente do processo de fama e suas origens ou ter participado disso é dispensável. Todos os nove capítulos são bem distribuídos e cobrem momentos significativos. Entre eles, a época dos Menudos, as viagens sozinho pela Europa, os palcos da Broadway, a produção dos álbuns, a espiritualidade reforçada na Índia, a paternidade com o nascimento de seus gêmeos e logo depois -- o ponto alto do livro -- quando assumiu através de uma carta aberta em seu site ser homossexual. Carta, a propósito, transcrita no livro. Suas angústias vividas, e, acima de tudo as razões para manter aquilo apenas entre seus amigos mais próximos e pais são contadas de um ponto de vista humilde, sem envolver terceiros. Entre ajudar vitmas de tráfico de pessoas e sobreviventes de tsunamis, por que não conhecer um pouco mais sobre um grande nome da música latina? Ou conhecê-lo como pessoa, não artista.

"Hoje, entendo que não posso esperar que todo mundo me ame, e, apesar de parecer algo ingênuo, levou um bom tempo para eu absorver e entender isso. É bem provável que tenha sido essa necessidade enorme de ser aceito que me fez ser quem sou, pois estava sempre disposto a fazer o que me pediam, a fim de agradar os outros. Foi por isso que mantive minha realidade em segredo. Não queria sentir a desaprovação dos outros, principalmente porque, em algumas ocasiões em que revelei minha verdade para pessoas bem próximas de mim, enfrentei reações muito inesperadas.
[...]
O que você pensa de mim não é a minha realidade, mas, sim, a sua."

Obrigado aos amigos blogueiros e aos não-blogueiros que me perguntam o motivo de eu não atualizar mais o blog com tanta frequência.

Grande abraço ao Gilson do http://momentoscompartilhados.blogspot.com/ pelos lately incentivos, rs.

I think last night, you were driving circles around me...

2010-07-22T12:29:00.008-03:00

Quando penso em uma boa música pra ser ouvida acompanhado de alguém, um momento especial quem sabe [entende?], penso em uma das minhas últimas descobertas dignas de colocar aqui no 100º post: Greg Laswell.

É injusto dizer que soa como uma mistura de Jack Johnson e um pouco de Gavin Rossdale, imerso em uma sonoridade acústica/pop Aqualung. Ele não junta elementos, mas cria um próprio, e dentro desse próprio consegue sim diferenciar cada canção. Lento, suave, aconchegante. Uma voz significativa que não parece fazer esforço pra cantar bem seu estilo romântico. É tudo muito natural e bonito, uma melodia tanto quanto precisa e cativante -- surte efeito sem que nada precise ser jogado em letras que não façam sentido.

Um simples violão com alguns poucos ajustes de guitarra e longas notas de piano já fizeram do cantor e compositor nascido em 1974 quase um recordista de aparições em trilhas de filmes e séries. De One Tree Hill, Smallville, Grey's Anatomy [que ganhou um single escrito especialmente para a season finale da 5ª temporada], True Blood aos recentes longas "Uma Prova de Amor" e "Os Delírios de Consumo de Becky Bloom" [ambos com uma versão bem ao seu estilo de "Girls Just Wanna Have Fun", Cindy Lauper], o rapaz coleciona desde 1998 quatro álbuns de estúdio e alguns EPs.

O album Take a Bow de 2009 é recheado de letras que expressam uma busca por algo indefinido, uma inquietação romântica com questionamentos distribuidos ao longo dos refrões. Como se uma análisa do que cada relação deixa para cada pessoa. Seja no passado ou no presente. De partidas e de outras chegadas. Quais os pontos, os limites, as consequências. Esse romantismo implícito no entanto não foje de trazer uma dose de dramaticidade a cada verso. Broken-hearted guy, hopeful new lives. Talvez seja isso, novas direções. Mas aprende-se, e aprende-se o quanto é bom e o quanto melhor pode ficar ou ser. Mas, enfim, nada que não possa ser interpretado de uma outra forma. Nas palavras do próprio, a diferença deste álbum se encontra no fato dele, Greg, não estar triste.

Minha canção preferida continua sendo a primeira que ouvi, Your Ghost, do EP Covers.

P.S., They're Friends

2010-07-20T22:40:00.013-03:00

With a Little Help From My Friends...

Notas de Julho: Eu preciso de um notebook.

E eu realmente preciso postar, ainda que bem informal, nesse dia especial. Um dos poucos não tão convencionais mas que faço questão de... celebrar. Dia do Amigo.

Há um ano atrás fiz a mesma coisa e desde então... algumas coisas mudaram? Claro! Ganhei amigos, bons amigos em que posso confiar, amigos que não esperava fazer, consolidei outros que hoje posso dizer que não sou nada sem a presença deles [e esses sabem SIM quem são ao ler isso -- é, tu mesmo!], descobri mais alguns e revi outros que não via há 10 anos! Obrigado, a todos vocês, até mesmo esses que fiz pelo blog, mais uma vez. Meus dizeres anteriores permanecem e se agregam a esses. De coração, agradeço a cada um.

E por falar em coisas boas... Como é bom terminar um livro! Tudo bem, você pode ficar com saudades dele depois e tal, mas a sensação de tarefa cumprida é tão boa que ultrapassa isso.

E digamos... Definitivamente há vários ajustes do que pode ser chamado de "livro", ou, romance, etc etc. Há o juvenil, o bem-juvenil, o juvenil sério, o juvenil-sério-que-pode-virar-best-seller-e-quem-sabe-um-filme [detalhe, as duas coisas não precisam ser necessariamente homólogas e muito menos o autor do blog discordar de que ambas podem sim ser boas. Confuso? Ah, enfim...], o adulto leve, o água-com-açúcar, os indefiníveis, os dramáticos... Mas o livro em questão, por páginas e páginas parece querer reunir todas as qualidades nas oscilações de humor da personagem central. Um tempo você ri [inúmeros momentos de comédia], outro sente que nada é fácil dentro daquele universo conturbado.

P.S. Eu Te Amo, de Cecelia Ahern, carrega o seguinte mote: Holly perde seu marido e desde então começa a receber cartas preparadas por ele enquanto estava vivo. Com a ajuda da família e principalmente os AMIGOS, a cada mensagem tenta seguir sua vida adiante.

Não há narração em primeira pessoa, a reação de que o leitor vê com os olhos de Holly e presencia tudo como se estivesse ao seu lado é incrível. Dê o braço a ela e compartilhe as lembranças de Gerry. Ponto. Sem dúvida não é um livro superficial em lirismo literário, ou seja lá o que isso venha a ser [ou que seja sem vir, rs]. Não são fatos discorridos e fim. Sujeito subiu a escada. Sujeito desceu a escada. Não. Do simples amanhecer, olhar ao redor e ver que o amado não se encontra mais ao lado, até a uma batida com o pé na quina da cama, todas as palavras fluem, se mesclam com uma modalidade especial de contar algo e trazer uma atmosfera acolhedora pra quem se dispõe a encarar toda uma crítica jornada. Talvez uma jornada não da razão de tudo existir, mas das consequências dessa razão. Sendo lágrima de felicidade ou de tristeza, a alternância de sentimentos que Cecelia escreve soa perfeitamente coerente. E o mais engraçado, com um comprometimento que em nenhum capítulo arrasta quem lê ao chão. É gostoso ler. É leve, apesar de tudo, e em grande parte auxiliado pelos diversos diálogos. Mas diálogos pertinentes. No mais, quem nunca riu em um momento difícil? De desespero, ok. Abraçou um amigo de quem não esperava surgir ajuda...? Fugiu de uma situação pra não encarar uma cena pior ainda? Ou fez tempestade excessiva de algo irônico aos outros?

O filme de 2007, aquele com a Hillary Swank, não é uma mera ilustração, quem sabe mais uma livre-inspiração em cima do próprio livro. Comparações que não sejam por curiosidade sem dúvida não devem ser feitas. Talvez 50% de semelhança, e apenas. Nele, Holly não é loira, não arruma emprego como "designer" de salto-alto e não tem uma irmã de cabelo pink ou azul que vive saltando de bunge-jumps ou fazendo tatuagens. As amigas não vão de viagem à terra natal de Holly, mas à Espanha -- e isso não acontece perto do final, mas pela metade. O romance em terras irlandesas não acontece no livro [pra quem não se lembra, com aquele ator de Grey's Anatomy ou Supernatural, Jeffrey Dean Morgan]. Os irmãos todos participam bem mais quando vemos o quão importante a família é para Holly nesse momento. Não importa se o irmão do meio tenha sido sempre o mais próximo ou que o mais velho só tenha se aproximado depois de anos, todos estão lá e trazem uma importante carga dramática pra estória. A única parecida pode ser a gentil matriarca, no filme Kathy Bates. Gerry também não fica atrás, a figura dele real, "tátil", não é tão influente como no filme, mas entramos nos bastidores de memórias e dos motivos e dias em que escrevia as cartas, tudo planejado. Daniel, o "cara do bar" não é bem o Daniel que a gente conhece... mas Harry Connick Jr. até que passa uma certa sintonia de simplicidade do personagem. E o final... o que dizer do final? Bem irônico. Um daqueles que faz você voltar no tempo e provoca reações de "Não, creio! Que legal!" Só lendo.

Romance sim. Meloso? Não, apenas sentimental e questionativo. Um livro que busca, investiga e cria situações em cima de uma perda. A saida pra isso persiste nas páginas e nas neuroses de Holly... e... na despedida do epílogo.

A edição em inglês da Hyperion tráz um roteiro interessante de perguntas para debate ao final. Além, passa longe de ser um pocket, mantém o formato intermediário com páginas maiores e não do estilo "jornal". Quanto a tradução no Brasil não faço idéia de como tenha ficado. E isso me deixa pensativo. Alguns toda a aura é modificada, outros não modificam em nada.

P.S. post aos amigos

Documentários e Meios

2010-06-01T15:21:00.008-03:00

Post Especial

Dei uma bela adaptada de um trabalho de análise da facul pra postar. Então, se alguém me googlar provavelmente vai cair aqui, e como o autor é myself... acho que não há problemas, né?

“Fahrenheit - 11 de Setembro” é, de fato, um excelente filme porque consegue ser bem sucedido na tarefa de atingir o público alvo, mesmo sendo esse público anônimo e heterogêneo. Durante duas horas, em suma, o documentário produzido em 2004 lança mão de diversos mecanismos para que aquela esfera de informações seja o mais crível possível. Um prato cheio para a neurolinguística e todas as áreas de conhecimento provenientes dela que são capazes de assimilar e estudar o comportamento comunicacional quando visa alcançar objetivos ou pessoas. Às vezes pode não importar o conteúdo (não que seja o caso), mas se é objetivo e direto no sentido de comover aquela exata destinação, então é algo bom, "cumpre o dever", por assim dizer.

Michael Moore, o diretor, usa uma retórica munida de diversos artifícios. São três os ingredientes que configuram isso: a pessoa que fala (o idealizador do projeto, que como trás o site Wikipédia é um "cineasta, documentarista e escritor norte-americano conhecido pela sua postura crítica em relação às grandes corporações, à violência armada, à invasão do Iraque e à hipocrisia dos políticos, sendo particularmente crítico em relação a George W. Bush"); o discurso que faz (contundente, polêmico sem ser necessariamente de um sensacionalismo explícito, bastante irônico, acessível e persuasivo ao máximo – contando com provas, depoimentos e revelando contradições nítidas da Casa Branca) e a pessoa que ouve (os norte-americanos que passaram pelo momento histórico em questão e encontravam-se num momento de incredulidade no governo). São importantes construções para o roteiro ter seu alcance. “Quem? Diz o quê? Para quem? Através de que canal? Com que efeito?”

Nessa linha de raciocínio, as barreiras de comunicação do alvo quase se extinguem.

A motivação de o filme existir e os interesses em torno dele são gritantes. Mexer numa questão inflamada para os americanos como a escolha de Bush à presidência, bem como se essa eleição foi legítima ou não, e o motivo dos atentados às Torres Gêmeas é algo que pode render reação – seja ela boa ou ruim, não existe meio termo.

Não há sobrecarga de informações. A teia de acontecimentos é tão bem composta que se perder e não deixar ser levado pela curiosidade são fatores quase inexistentes. Há momentos engraçados pra que a atenção e o foco do expectador não sejam minados, como trechos de filmes.

Há compreensão do receptor, sabe-se de antemão quem e como será a reação de quem ouve. Os signos verbais e visuais também transmitidos: sejam eles recortes de jornais com frases em destaque ou a tela em preto com o som de pessoas gritando quando os aviões atingiam as torres. São eficazes por serem comuns a todos e puxarem recordações pessoais. A alternância entre músicas country aceleradas e típicas pra dar o tom de descontração em piadas e toques melodiosos pra mostrar a angústia do dia do atentado são meios pra se passar a informação bem do jeito desejado. A trilha sonora tem um forte apelo e poder de acompanhamento nesse processo de "entrega de mensagem".

A mensagem passada além de ser direta é persistente. Michael Moore retorna insistentemente com dados e informações a cerca da família de Osama Bin Laden, da família do próprio Bush, dos grupos de empresas e explorações de petróleo interligando essas famílias, do funcionamento escuso dos altos escalões do poder e outros, aproximando e relacionando tudo o que for oportuno – como o até então presidente tentando impedir o congresso de investigar o atentado e a razão disso.

A dialética de impulsionar o pensamento e o feedback mental em frente à tela com indignação em diversas perguntas instigantes e respostas é constante, além de trechos com conversas e depoimentos ilustrativos. "Onde estava o presidente no dia do atentado?" "Será que no momento em que soube que o país estava sob ataque e pegou o livro infantil para ler com as crianças pensou que deveria ter dado mais atenção aos relatórios?” “Quando não se acha um assassino, não é a família dele que se procura em primeiro lugar? E porque havia jatos particulares para retirar os familiares de Bin Laden de território norte-americano?"

O vocabulário é comum a todos, não há distinção de classes ou status, usando, assim, de uma comunicação bidirecional efetiva. A narração do documentário é sim em tom formal, não há predominância por determinados estilos de linguagem, mas é um formal acessível a todos, até aos que não gostam de política, o que é um ponto positivo.

Ainda que seja um filme que brinque com concepções de manipulação e ideologias, o diretor insere a manipulação dele mesmo pra evidenciar tudo isso. Não tem como não perceber. Metalinguagem de manipulações? Uma propaganda de disseminação anti-Bush com proporções ideológicas se o indivíduo não tiver consciência, ou fizer parte da massa – ser igual, não saber invocar e questionar o outro lado e deixar ser levado pelo que pode "aparentar" ser consistente (mesmo que for).

Clássico?

2010-05-27T11:35:00.006-03:00

Passagem Para a Índia, o último trabalho do escritor e diretor David Lean, conta a história de duas mulheres que embarcam da Inglaterra a Índia para se encontrar com Ronny, o magistrado local de Chandrapore -- filho de uma delas e suposto noivo da outra. No elenco, Judy Davis e Peggy Ashcroft.

O drama britânico/americano de 1984 é difícil de se entender, de compreender o motivo central, enfim... Não pela história, ou até mesmo pelas questões geopolíticas envolvidas -- pra observar diferença de cultura ninguém precisa ser graduado em nada: cadáveres sendo carregados no meio do mercado de rua é um exemplo -- mas pelo próprio desenvolvimento. Qual é o objetivo? De onde saem os personagens? E pra onde eles chegam??? Quem são eles afinal? Dá pra ser levado pela maré até metade do longa, resgatado na praia ao anoitecer e alguns dias depois acordar pro enredo que começa a surgir só então. O final? Bom, o final é como uma brisa.

Onde encontrar harmonia e intuito? Tudo "conduz a", mas não é mostrado antes. Em meio a créditos iniciais, fortes pinturas e uma orquestra nostálgica o empenho pra garantir uma boa abertura com um tom exótico, pré-construindo um clássico, é evidente. Assim como em Dr. Jivago. É tudo grandioso. Dá vontade de assistir, entende? É animador, imprime algo sagaz. Uma pena que isso vá perdendo força com a pequena confusão de personagens se o expectador não ficar atento e com a gradativa queda de ritmo e proporção narrativa. Os planos indianos naturais ao longo do horizonte são lindos, mas infelizmente não tão capazes de alavancar um pouquinho do que deveria ser feito na sala de edição.

"A Índia nos força a encararmos nós mesmo". Pelo mostrado, não diria bem encararmos a nós mesmos, mas no mínimo nos guiar pra três personagens que fazem tantos outros parecerem meio dispensáveis. Mrs. Moore, Adela Quested e o nativo Dr. Aziz.

Curioso pesquisar sinopses e mais sinopses, até a própria capa do dvd pela MGM, e não obter muitas dicas do que realmente acontece. As primeiras duas horas assemelham-se a um prólogo pomposo detalhando os impactos da dominação britânica dentro desse movimento de independência da Índia enquanto os últimos quarentas minutos centram-se em um julgamento. Julgamento que torna o enredo intrigante, pelo menos. Mostrar as intolerâncias de regiões concomitantemente ao desenvolvimento da parte mais ficcional não faria mal em quase três horas de longa.

Em suma, aquele gentil e curioso homem que preserva sua educação, faz questão de proteger suas virtudes ao máximo e em algumas cenas conquista com a simplicidade [interpretado sem igual pelo indiano Victor Banerjee] leva Adela a uma caverna e é acusado de violentá-la. Mas Adela tampouco é de má índole. Qual a razão do sangue?

O disco tem uma edição pobre no Brasil. Apesar de ser em Widescreen não contém nenhum extra, trazendo idiomas somente em Inglês [original] e espanhol.

De qualquer forma um bom exercício de concepções a partir do livro homônimo de E. M. Forster, pena que tenha sido divido tão bruscamente em "razões" distintas. Cultura, trama linear ou surgimento de algo mais dramático? Ponto positivo para o "final do final".

I dont know you. But I want you.

2010-05-21T09:25:00.016-03:00

New post.

Deu vontade, rs.

Uma grande pessoa me emprestou o disco, adorei e acabei comprando. Quem sabe um post de agradecimento. Importante. Um tipo de filme que segundos depois fica boiando pela mente. É gostoso assistir de novo. Não consigo parar de ouvir a trilha sonora, pena que não se encontra no Brasil. Então... trouxe ele pra cá.

"Com que freqüência você encontra a pessoa certa?"

Rodado em Dublin, na Irlanda, "Apenas Uma Vez" [Once], de 2007, escrito e dirigido por John Carney, narra a aproximação de duas pessoas ligadas pelo total acaso.

Glen Hansard [compositor, vocalista e guitarrista da banda de rock irlandesa The Frames] interpreta um homem que ganha sua vida consertando aspiradores de pó e cantando na rua. Marketa Irglova [multinstrumentista e cantora] concebe uma imigrante tcheca que vende flores e consegue empregos temporários. Determinado instante simplesmente descobrem o mesmo amor pela música em frente a um piano. Amor responsável por levá-los a compor verdadeiras obras-primas juntos em tão pouco tempo. Mas o que os dois teriam mais em comum? Poderia existir um romance? É esse mesmo o intuito da história? Ou... Once.

Um singelo filme. Desde a cena de abertura, onde Glen aparece tocando na rua com diversos ônibus passando em sua frente, já é possível notar o quanto o projeto é cativante. Com um pouco de comédia implícita aqui e ali – ser assaltado, entregar o violão na mão de um estranho pra correr quarteirões atrás do dinheiro e ainda ser abraçado pelo ladrão que arrepende-se e pergunta educadamente sobre a mãe da vitima é fantástico, e não forçado –, ele se apresenta tímido, mas puro. Pra que um elenco gigantesco quando duas pessoas, um violão e um piano fazem uma revolução sentimental em tela?

O interessante é que a técnica de filmagem livre, aquele estilo bem rústico [que o autor do blog tenta passar longe] "câmera na mão" – observada em séries dramáticas como Southland, The Shield ou até mesmo Sons of Anarchy – não estraga o longa. Nada cansa, nada tira a seqüência daquilo. É claro que do brusco ao suportável, há medidas e medidas espalhadas: alguns criadores exaltam quase exaustivamente aquele clima pra criar uma tensão artificial, outros se perdem e desmotivam o expectador, impulsionando-o a entrar em modo stand-by. Mas esse ar de filme independente [e totalmente despretensioso pra se firmar na estante Cult] entrou em sonância perfeita com o propósito do roteiro.

Típica história em que os personagens aparecem subitamente. Não é possível saber de onde vieram, quais são suas intenções, índoles, razões. Mas sobra a emoção. Emoção que transpõe qualquer explicação, como pegar pela noite as moedinhas do cofre de porquinho da filha pequena e sussurrar em sua direção que as devolverá. Aos poucos tudo ganha forma e se desenvolve. Desde o primeiro diálogo os rostos se completam em expressões.

"É romântica. Você tem uma veia romântica."
"Eu tinha veia romântica."

Talvez o recurso de ajustar flashbacks na linha narrativa com fragmentos de vídeos caseiros regados a própria trilha seja o elemento definitivo que promove essa liga entre todos os trechos. São video clips dinâmicos. Destaque para as faixas Say It To Me, Falling Slowly, If You Want Me, Lies e When Your Mind's Open. Tudo parece muito real num ambiente sobre a música, mas não um musical. As canções interpretadas perceptivelmente durante a gravação trazem um envolvente desespero melódico. São letras e timbres que refletem uma agonia romântica. Perder? Reconquistar? Seguir caminhos?

Glen Hansard e Marketa Irglova se conhecem desde um encontro em Valasské Mezirící, República Tcheca, onde começaram a se apresentar com o nome de "The Swell Season". Ambos escreveram todas menos uma música da trilha sonora. Também apareceram na trilha de "Não Estou Lá" com uma versão de "You Ain't Goin' Nowhere", Bob Dylan. "Falling Slowly" venceu o Oscar de Melhor Canção Original no mesmo ano, e a trilha toda foi indicada ao Grammy.

"Apenas Uma Vez é um daqueles conto de fadas urbanos, que você sai do cinema fazendo seu máximo para evitar entrar em contato com a vida real novamente."
- L.A. Weekly.

Especial.

Pop Plus Rock

2010-03-16T06:48:00.027-03:00

For Your Entertainment

O que esperar de um cara que deu um show de interpretações do começo ao fim na oitava temporada do American Idol? Vencer por votos? Não... Talvez não, pra revolta e descontentamento de milhares de pessoas que ficaram em frente a televisão americana no final de março do ano passado e alguns outros tantos no Brasil que dependiam de um pequeno download. O dono do blog é um deles. Enfim, depois de trocentas apresentações, recordações, acústicos, momentos de comédia e até uma colossal e pirotécnica aparição de Adam ao lado do Kiss em um medley de "Beth", "Detroit Rock City", e "Rock and Roll All Nite"... vinha a notícia... Kris Allen era o grande vencedor. Pra surpresa de todos. Do próprio Allen, diga-se de passagem. Pra ele, Adam Lambert é "um dos mais talentosos músicos" que já tinha conhecido.

O potencial vocal não fica só restrito no rock melódico ou no pop agitado, há vezes em que ele parece transbordar e ir para outro plano, outro nível, e é estranho. Mas um estranho real, bonito. Aliás, bonito é também perceber a capacidade que Adam tem de se adaptar aos ritmos. Para o pop meio eletrônico ele é de um jeito, e demonstra esse jeito nos clips. Confira a faixa título, "For Your Entertainment", por exemplo. Há letras sim, por incrível que pareça pra quem não conheça, e elas falam de sensações, expectativas e reações -- não é tampouco um ponto a ser deixado de lado. De qualquer forma... quem disse que o balanço também não é uma arte? Para o rock melódico solta a voz sem medo num misto de desespero romântico com dramaticidade que pode lembrar o empenho do Muse. Atenção: lembrar, não "ser igual". São composições interessantes -- recriam imagens, lembranças, aflições. A exemplo dessas, veja "Time For Miracles", um dos primeiros singles do cd que logo de estréia garantiu-se como tema do filme "2012" e foi elogiado pelo guitarrista do Queen, Brian May, que se sentiu "completamente surpreendido".

Conseguiu definir o quê é o quê no álbum? É difícil. Um único indefinível pra um artista completo? O lento progressivamente se transforma em agressivo ["Whataya Want From Me", co-escrito por Pink], o rock dá espaço aos efeitos especiais, o pop inquieto cresce ["Fever", co-escrito pela Lady GaGa], o reflexivo permanece reflexivo ["Broken Open"]... ou o agitado desabrocha-se em um sincero e tocante refrão como em Soaked, uma das minhas preferidas, escrita por Matthew Bellamy, o próprio vocalista do [já citado] Muse.

O painel de inspirações e afinidades sem dúvidas veio dessa jornada artística nos palcos desde os 10 anos. Do teatro escolar a ator substituto na Broadway. Algumas influências já foram citadas pelo próprio, como Aerosmith, David Bowie [não só sonoro, perceba o visual glam-rock], Led Zeppelin, Queen [cantou "Rock With You" e "Bohemian Rhapsody" na audição do American Idol e boatos correram sobre a inclusão de Adam como o novo lider depois de uma performance no programa ao lado dos próprios], Madonna, Michael Jackson [interpretou "Black or White" na semana M.J. e foi aplaudido por todos os jurados, sendo previsto por Paula Abdul como um dos finalistas].

Não digo que Kris Allen seja ruim ou que também não tenha batalhado exaustivamente, o clip de "Live Like We're Dying" ficou bom, todo "bem produzido" e etc, de certo é uma voz cristalina e que também agrada. O cara tem sim talento, é evidente. Aquele pôde e ao mesmo tempo "não" ter sido o momento certo pra ele, apenas. Mas é engraçado que o cd do ganhador nem chegou ao Brasil, enquanto que do paceiro de quarto na mansão dos Idols e na partilha do palco no último episódio, Lambert, sim. Dito como o primeiro artista pop gay da atualidade a lançar carreira em uma grande gravadora na America, Adam ainda conseguiu formar outro cd, intitulado "Take One", com compilações de gravações de estúdio antes da fama.

O ticket pro reconhecimento pode até ter sido o American Idol, mas o prestígio e resultado acabaram sendo por esforço próprio. Puro entretenimento. Ours.

Peregrino

2010-03-03T16:00:00.009-03:00

Um filme que divide opiniões... mas como gosto de deixar claro que aqui coloco o que achei, e apenas isso, tenho prazer em postar. O certo é subjetivo. Aqui pelo menos há o meu certo, seja bem-vindo. Sempre. É bom colocar algo útil, reconstruir uma idéia, vasculhar o que merece ser vasculhado. Uma xícara de chá estará me esperando quando voltar a assistí-lo, quem viu conhece o motivo.

Viver um período conturbado e se questionar quando aquilo parecerá distante aos que vierem. Será... será que por algum momento vão entender ou procurar desfragmentar as informações que possivelmente já estarão imersas em proibições, diplomacias falidas ou até mesmo nacionalismos? Entenderão? Vão se interessar? Passar isso imparcialmente adiante é válido. Os ares mudam, as mentalidades também, mas as vidas são as mesmas. O curso segue. Tempo é importante. Parece redundante, mas nada se move sem ele, nada se altera, se evolui, progride. Enfim, ele é um caminho.

Quanto mais árdua a jornada, maior a purificação. Assim dá pra definir uma pequena parte de todo o conceito exposto pelo famoso alpinista austríaco Heinrich Harrer no rico relato autobiográfico Sete Anos no Tibet publicado em 1952. A saga do outrora oficial do exército nazista já foi duas vezes transformada em filme: o primeiro em 1956, um documentário de 76 minutos dirigido por Hans Nieter que incluía vídeos feitos pelo próprio Harrer durante a aventura e reconstruções por ele mesmo de algumas passagens; e o segundo em 1997, o do post, um modelo exemplar de como deve ser feita uma narração... com a trilha sonora grandiosa de John Williams e Brad Pitt no papel principal, direção de Jean-Jacques Annaud. Este último, um épico moderno memorável.

A meta: largar a esposa grávida e o casamento em crise para ir escalar um dos picos mais altos do Himalaia na expedição ao Naga-Parbat. Com todo o fervor em mente por ser um lugar almejado por muitos e não alcançado, Heinrich parte corajoso em busca de orgulho e satisfação mas é feito prisioneiro por estar em domínio inglês quando a Inglaterra declara guerra à Alemanha em 1939.

Se dois anos na prisão correspondem a quatro de casamento é um tanto subjetivo, estudar a sociedade não é nada exato, mas pra Heinrich é quase um mandamento. Sem princípios, tremendo egoísta que se vangloria, assim ele é definido pelo próprio amigo. A visão austera de um competidor comprometido com seu esporte. Rigidez que ultrapassa ética e valores? Para ele, ficar parado te eleva a um nível de pensamento e reflexão que não é bom, é como se tirasse a pessoa de suas motivações e colocasse preocupações no caminho. O amor por sua esposa parece voltar num momento de carência quando preso e tudo converge na cena em que sacode a cerca de arame farpado, raiva e desespero canalizados com maestria em sangue e dor. Só até ai o personagem passa por três estágios distintos, condutas que desandariam na mão de qualquer ator.

“Era, na minha vida, a primeira vez que eu sentia em toda a plenitude o que significa ser livre! Saboreávamos com deleite essa consciência, pensando com pesar nos dois mil prisioneiros que tinham de viver lá abaixo, atrás do arame farpado.”

Tentando escapar por diversas vezes, ele e outro alpinista, Peter Aufschnaiter, tornam-se os únicos estrangeiros tentando sobreviver em terras estrangeiras até chegar em Lhasa, Tibet. Uma cidade que mudaria completamente o curso de ambos, não só pela amizade crescente. É lá que Harrer começa a se questionar se um pai morto é melhor que um péssimo pai, escreve cartas com seus sentimentos e aprende que coisas simples podem representar grandes mentiras. "Eu fazia parte disso." Enquanto seu povo vê o exemplo naquele que quer subir na vida a qualquer custo, os tibetanos admiram o que abandona o ego.

O acolhimento dos dois amigos na “cidade sagrada” e suas inovações chegam aos ouvidos dos representantes religiosos até que Dalai Lama, ainda criança e já tratado como um líder inquestionável, pede para ver Heinrich. O pequeno tem um desejo: lhe pede a ajuda para construir um cinema local. Curioso é que a troca é tão intensa que a amizade floresce da partilha de risadas até o profundo e verdadeiro sentimento de amigos que poderiam ter se conhecido há um bom tempo e se ajudam. Não há idade. Será que algum dia as pessoas vão ver o Tibet no cinema e perguntar o que aconteceu? – o jovem pergunta.

Em aproximadamente sete fases distintas [pergunto-me: coincidência com o título?] o filme parece nunca perder o tom, aquele modo de ser. São pouco mais que duas horas distribuídas igualmente. Há agilidade quando escalam, emoção no campo de prisioneiros, esforço na sobrevivência, no choque de convivência, proximidade e humor com o expectador na amizade que se desenvolve, questionamentos na guerra e percepção no retorno. Cada trechinho, seja intercalado com o percurso de Dalai Lama ou não, mostra, por assim dizer, os bastidores de uma mudança de caráter em meio à fortaleza medieval de pedra que é o Tibet. Ouça o sussurro do vento na neve, o eco do silêncio, passos de um viajante, ou o ruído de um aperto de mãos. Entre no filme. Um show de imagens naturais, cultura e imersão.

Eu os declaro... comédia?

2010-02-28T02:23:00.007-03:00

Comédia ou naufrágio?

Adam Sandler é um bombeiro. Kevin James também. Adam, um solteirão que gosta de sua vida nula em compromissos. Kevin, um viúvo que se esforça pra ser responsável sustentando seus dois filhos pequenos. Assim são os amigos de longa data Chuck Levine e Larry Valentine. É depois de um acidente em que Larry salva a vida do parceiro que Chuck se vê obrigado a ajudá-lo em retorno... só não sabe em quê. Sem conseguir passar os direitos de beneficiário do seu seguro de vida para os filhos, Larry pede Chuck em casamento: o único método para burlar o sistema falido do governo. Em dívida, ele acaba aceitando.

Esse é Eu os Declaro Marido e... Larry, filme de 2007 do diretor Dennis Dugan com roteiro por Barry Fanaro, Alexander Payne e Jim Taylor. Algo batido mas que poderia dar certo como em A Proposta se não fosse por uma sucessão incrível de erros.

Um desperdício de tempo. Um filme que não se sustenta. Não péssimo, mas bobo no máximo. As horas dramáticas parecem querer se impor nos momentos-família e nas justificativas mas não encontram um fundo de verdade. São passagens bobas, uma pior que a outra, beirando o "sentir vergonha pelos atores". Não dá pra entender o motivo de Adam Sandler, que tem no currículo papeis excelentes da comédia romântica ao drama, aceitar integrar o elenco. Até na comédia precisa haver seriedade, e nessa não há. O toque de humor inteligente não mostrou as caras. Infelizmente caracterização e frases de comédia pastelão são os elementos que logo dão o tom absurdo ao longa. Mas sempre há o pior.

Qual a razão de envolver as crianças nas pequenas ironias chatas? De fato algumas encaixam e tiram um risinho do expectador, mas não são de tão bom gosto assim. Quem assistiu pode entender. Os jovens parecem ter mais força em cena do que os atores adultos, com exceção de alguns.

Jessica Biel aparece bonita e simpática, talvez uma das únicas que sem querer ser engraçada consegue pela atuação. Ela é descontraída, natural. Aliás, é bem o "querer parecer engraçado" que atrapalha para os outros. Tudo tem que surgir, fluir, e não forçar situações.

A cena do carro na viagem para a cerimônia de casamento poderia ser interessante. O taxista ouve a conversa e ofende o "casal", eles se revoltam e o questionam. Daria pra continuar algo centrado, mas tudo perde ainda mais seqüência quando a cena de casamento se iguala a nada mais que um filme caseiro improvisado. Dá pra rir por não conseguir puxar algo pior pela memória, não pelo conteúdo.

Um inspetor coletando o lixo e fazendo ameaças com a placa do carro trazendo a inscrição "te peguei" dá sono, mas assistir a uma relação de matrimônio caótica que não passa de amizade pode ser legal. -- Nosso casamento é só assistir baseball, ele me odeia. Desde que me forçou a casar você virou controlador, nem parece um marido. -- Pena que não dure muito e algum lance mal bolado venha pra acabar com o clima de descontração.

Em meio à trilha sonora de nomes como Bee Gees, Abba e Radiohead, é mesmo uma pena que a história comece a fazer sentido apenas um bom tempo depois, na segunda metade. São poucos os bons momentos antes disso. Talvez um ponto positivo do filme seja não focar sempre no preconceito mas fazer dele uma questão-chave do final. De qualquer modo o desfecho nada mais é do que uma série de tentativas frustradas e engarrafadas de terminar o interminável. Cenas bonitinhas? Sim, claro. Um discurso inflamado que tenta cativar, danças pra lá, festas pra cá... Alguma notabilidade além? Uma crítica fracassada.

Obscura História de Amor?

2010-02-22T00:09:00.013-03:00

Aos 12 Era Apenas
Um Anjo do Pó.
Aos 13 Abraçou a Heroína.
Aos 14 Começou
a Freqüentar as Ruas...

Anos 90. Nesse tempo as estantes lotadas quase até ao teto com títulos e mais títulos que eu desconhecia me mostravam um mundo novo. Uma locadora de videos passava longe do que é hoje, ou do que representa hoje. Era... especial. Uma fuga, no jeito literário de olhar, quem sabe? Os preços bem mais baixos, acessíveis. Entre aquele cheiro característico do plástico do VHS que fazia com que o lugar tivesse um ambiente um tanto diferente do que é hoje eu não ignorava nenhum e sempre achava títulos e capas curiosas. Uns era convicto que não assistiria nunca ou tão cedo. Outros me marcavam bastante. Mal sabia que anos depois por exemplo voltaria a falar deles. E... com um certo apreço nostálgico depois de ver parte das vídeos com as portas fechadas.

Aquele que hoje tenho em boa lembrança por uma amizade especial e inesperada... "Carne Trêmula" do Almodóvar, com a capa toda avermelhada, me fazia pensar se ali era realmente o lugar adequado para mantê-lo. Até então, em torno dos seis anos... o que poderia saber eu sobre o peculiar diretor espanhol? Mágico de Oz com a capa da edição bem antiga ou 101 Dálmatas? "Não Conte a Ninguém"? A Trilogia das Cores, do polonês Krzysztof Kieslowski [que já postei], figuravam entre as fitas duplas de Hamlet do Kenneth Branagh e os distintos Poderosos Chefões. Porém, "Eu, Christiane F., 13 anos, Drogada, Prostituída" com uma garota na capa me espantava de um jeito surreal. Documentário, ficção?

Ainda é necessário desligar-se de certa forma para assistir ao longa alemão de 1981. Pensar que aquilo, embora tenha sido feito baseado na história verdadeira descrita pelos jornalistas Kai Hermann e Horst Hieck sobre Christiane Felscherinow aos 14 anos, é só uma atuação. Mesmo assim é quase impossível abster-se de algumas reações, um dos poucos dramas que causam isso. O filme é pesado. Caótico. Uma esfera agoniante. O áudio, a fotografia antiga mesclada de tons escuros e frios e os cenários contribuem pra trazer um clima de sufoco ao longa e te deixar angustiado em diversas tomadas. Nesse ponto concordo integralmente com a citação do dvd nacional pela Spectra Nova, "um verdadeiro retrato do inferno". Ou, um verdadeiro alerta.

Wir Kinder vom Bahnhof Zoo, que no original pode ser traduzido como Nós Crianças da Estação Zoo, descreve a saga profundamente declinante de uma garota no início de sua precoce adolescência ao mundo decapitante e sujo das drogas. Ambientado na década de 70, Christiane mora com sua mãe e sua irmã caçula em um típico e limitado prédio de uma zona pobre de Berlim. Apesar de ainda nova, é interessante perceber que a menina já é bastante acostumada a andar por toda a cidade, de metrô ou a pé, e tem suas amizades espalhadas por ela. Más companhias? A independência tão cedo talvez seja um ponto chave nisso, colidindo diretamente com o caráter... que atentando-se involuntariamente, não é umas de suas melhores qualidades. Fraqueza? Mas é através de uma amiga que vê a oportunidade de conhecer a famosa Sound, seu sonho, uma discoteca com os mais modernos equipamentos instaladas na região.

O diretor, Ulrich Edel, apostou com o sucesso do livro na época e achou sua protagonista no playground de seu colégio. Aos quinze anos Natja Brunckhorst nunca havia atuado e com o consentimento dos pais gravou o filme ao lado de Thomas Houstein que, por sua vez, recusara o papel inicialmente. Fato é que o filme, que enfrentou barreiras com a censura no Brasil durante o governo militar, não peca em tentar suavizar nada. A transposição cinematográfica só perde em não deixar tão claro o passado dos personagens... mas... se pra quem leu as páginas autobiográficas lançadas pela revista Stern conseguiu captar o realismo apocalíptico do momento de Christiane -- atrás de uma agulha emprestada e lavada em um vaso sanitário, de doses de heroína, vômitos, amigos mortos pelo vício e etc... -- mais de duas horas de longa ilustram isso corrosivamente. E tudo tem seu início com a descoberta do personagem de Detlev, futuro namorado de F. e garoto de programa, na discoteca. Uma figura importante. Tatuagens improvisadas com tinta, roupas diferentes, uma cor de cabelo diferente... Perceba a mudança, não que o culpado seja o rapaz.

A trilha sonora é por conta de David Bowie que também participa do longa. Curiosamente, em uma cena que ela toca um dos LPs de Bowie, "ChangesOneBowie", a música ouvida é a versão alemã de Heroes -- Helden -- que curiosamente não faz parte daquele álbum mas é vinculado como se fosse. Aquele ídolo repentinamente não significa mais nada na vida da adolescente depois de experimentar o progressivo dano pelas drogas. Os discos que tinha guardado com carinho são todos vendidos no desespero.

Christiane fica totalmente sem dinheiro e brigada com a mãe as coisas se dificultam mais ainda. Nas ruas não vê ninguém que possa se solidarizar e dar alguma droga. Estranha e perdida. A conveniência em se prostituir para conseguir o dinheiro do vício se mostra em questão de segundos mas não é tão facilmente aceita. Ela de fato se reluta em fazer isso, mas a dependência já é tão grande e o lado sentimental abalado por saber de seu namorado ao lado de homens que pagam pelo sexo fazem com que a primeira experiência em uma noite chuvosa dentro de um carro não tarde.

O filme age como uma montanha russa. Tudo parece ser momentâneo mas é fatal. Como se desintoxicar? Fazer isso ao lado de outra pessoa nas mesmas condições e por conta própria é útil? A cena do quarto trancado e do esforço pela saúde permanece uma das mais fortes. Mas...quantos picos há nessa montanha?

Muitos o vêem como uma triste e obscura história de amor. Foi amor? De qualquer forma um dos mais realísticos sobre as drogas e que infelizmente possui uma edição em DVD pobre até nos Estados Unidos. Além de ser Fullscreen e provavelmente a versão cortada de 125 minutos, não possui extras como entrevistas de diretor, atores ou realizadores. Uma curiosa dublagem em Português no mínimo foi incluída. 25 anos depois o mesmo roteirista lança um novo filme, Engel & Joe, traduzido como A Nova Geração Christiane F. A trama se passa numa Alemanha dos dias de hoje onde um punk drogado conhece uma garota com problemas em casa. Mesmo tendo a velha crise de fugir de casa para viver com o rapaz... as críticas não revelam nada de muito importante. Talvez jamais algum se compare ao que foi o Eu, Christiane F. Básico por tratar sobre a decadência entre um grupo de jovens europeus, mas sempre relembrado pelo teor atual.

Um Road-Movie Dramático

2010-02-20T12:06:00.010-02:00

Destaque por ser diferente. Harmonia. Ritmo. Disciplina. Caminho. Descobrimentos. Desde o momento em que a luz de exibição do longa se acende imerso em tons rosa pastel... talvez aquela mulher de unhas grandes e características, boca definida por um batom expressivo mas mantido e voz que precisa ser dominada seja a figura que permaneça na lembrança. Ok, humildade e perseverança de uma vida que passa longe de ser fácil não são igualmente elementos a serem deixados de lado.

TRANSAMÉRICA, filme independente de 2005 dirigido pelo estreante Duncan Tucker, conta a história de Bree, uma mulher que recebe uma ligação inesperada de Toby Wilkins pedindo para falar com Stanley Schupak. Parece simples, mas tudo se alavanca depois desse ponto. Toby Wilkins... tem 17 anos e está preso... e revela ser seu filho. Mas há certos detalhes. Cruciais, diga-se. Primeiro, ela nunca soube que tinha um filho, até então. Segundo, como explicar a ele ou aos guardas quando fosse resgatá-lo que o nome real de sua identidade É Stanley Schupak? E ela não é ela? É ele? Ou... até que ponto é ele?

A jornada começa de um jeito único em um filme com um tema no mínimo contundente. O que dizer de uma mulher que uma semana antes de ter sua autorização para a cirurgia de mudança de sexo precisa lidar com uma parte da sua vida que, mesmo sob a desaprovação de sua terapeuta, quer esquecer? O que ela sente vai além da não-identificação, é uma pura negação de quem já foi. Toby, interpretado por Kevin Zegers, personifica isso. Desse modo a terapeuta se recusa a liberar o procedimento médico se Bree não encarar que de uma forma ou outra continua sendo Stanley. Um passo para aceitar-se é resolver sua situação com o filho.

Após resgatar Wilkins fingindo ser uma missionária religiosa, Bree adentra a vida também complicada do filho sem revelar nada do parentesco. Enquanto o convence a voltar com ela para a Costa Oeste e largá-lo com o padrasto no meio do caminho sem que ninguém saiba, eles acabam se aproximando. A cena da primeira “descoberta” beira o surrealismo dentro das telas. Choca mas mantendo o nível. A aproximação dos dois? Sem dúvida na cena da praia e do carro. Só assistindo pra saber. Mas os largados para trás juntam-se no clímax da segunda descoberta, a maior de todas, em um filme não exatamente apenas sobre o tema da mudança de sexo, mas como isso de pano de fundo para as relações de amor, partilha e dependência.

Como se virar pelas ruas? Se Bree sabe bem o que é ser humilhada até pela família, virar as costas e seguir em frente, chateada, mas indo... Wilkins também sente na pele o que é sobreviver pelas ruas... Drogas? Garoto de programa? Bissexual? Grandes momentos.

Felicity Huffman [TOTALMENTE TRANSFORMADA] extravasa talento no papel da transexual Sabrina 'Bree' Osbourne. É indescritível e fora do comum a sensação provocada pela atriz loira da série Desperate Housewives. A composição infindável do personagem ultrapassa a expectativa dos pôsteres e dos trailers. Kevin Zagers, por exemplo, comenta que quando chegava no estúdio via Felicity em um colchonete fazendo uns barulhos estranhos feito um gorila. No começo era incompreensível e pensava que era um hábito estranho pelas manhãs. Mas depois entendeu que pra abaixar a voz tantas oitavas era algo necessário.

O diretor disse uma coisa marcante sobre o longa, e copiá-lo não é plágio certamente, mas faço dele as minhas palavras. Foi algo como... "Ela é uma pessoa estranha, mas ela é a Bree. Depois de cinco minutos que você assiste você não vê uma coisa que poderia ser dita como anomalia ou sei lá o quê... por que ela não é feia, ela tem coração. É uma pessoa com a qual você se importa."

Shiny Shoes

2010-02-13T16:39:00.016-02:00

Férias... mas do blog só.

Por enquanto, um pouquinho.

"Remember me when you are at the beach and above all when you paint crackling things and little ashes. Oh my little ashes! Put my name in the picture so that my name will serve for something in the world."

Federico García Lorca a Salvador Dalí

Talvez o longa venha com uma cara de alma agitada, progressivamente inquieta, típico tempero espanhol aclimado pela trilha sonora de Miguel Mera. A briza que agita a terra das moralidades conservadoras é introduzida como vozes que mesclam o inglês e o espanhol em versos ao contraste das oliveiras, logo a briza vira um vendaval. Os créditos iniciais? De uma forma suave e característica da época no meio de closes e discursos. Inteligente. Não atrapalha. Composições simples mas que revelam um modo de existir que as produções americanas, por exemplo, não trazem. As cenas são ágeis: há deslocamento pelos personagens, seus trejeitos, suas ironias internas, suas idéias... Quem assiste é parte, testemunha. Uma aterrisagem perfeita naquela esfera de boemia artística e intelectual dos anos 20 que achava que a Espanha estava se destruindo.

Little Ashes, filme de origem britânica/espanhola dirigido por Paul Morrison e lançado em território americano em maio de 2009, mostra a vida e o envolvimento do pintor surrealista Salvador Dalí com o dramaturgo, poeta e diretor de teatro Federico Garcia Lorca. É engraçado perceber como mesmo tendo um dos astros mais comentados em um dos papéis principais, Robert Pattinson como Dalí, o longa permance um bom tempo sem distribuidora no Brasil. Uma chance vantajosa de saber observar o trabalho de um ator competente de modo imparcial aos modismos e histerias adolescentes, não pode passar em branco. O espanhol Javier Beltrán como Lorca assume um papel de antítese e equivalência [sim, incoerentemente] que faz o trabalho da escritora Philippa Goslett ter harmonia.

A apresentação de Salvador é única: o reluzente estranho e aparentemente frágil recém-chegado na Residência dos Estudantes em Madrid com botas altas e babados que precisam ser ligeiramente limpados ao sair do automóvel. É o quadro do desajustado, do esteta, do gênio recluso. Aceito? Mal visto? Nada disso importa quando os amigos de Federico gostam de sua arte -- desde os primeiros anos entre o meio estudantil já excêntrica -- movida por incertezas. Pattinson o interpreta cheio de olhares e explosões nos momentos certos. Não é caracterísitco e chamativo só pelo seu cabelo ou vestimenta, que mudam um tempo depois, mas próprio em alma. É o centro para Lorca desde quando ele o vê pela janela do alojamento. A incógnita de aproximar ou deixar-se ser aproximado parece mútua. Como se movimentar nessa sociedade cheia de colisões que uma hora divaga bêbada sobre a liberdade e outra debocha violentamente sobre homens que andam juntos pela rua?

Talvez uma das partes que eu tenha percebido como crucial pra humanização do Lorca e que também foi responsável por quebrar o ambiente que os filmes biográficos costumam ter foi uma memória dele narrada do alto de um prédio. Quando era jovem a Guarda Civil tinha executado boa parcela da população e a imagem de todos os cadáveres empilhados com os sapatos brilhando permanceu na mente dele. Desde então... ele odiava os sapatos. Os "shiny shoes". Mas... a memória não pára por ai. "E não resta mais nada além da grama e do céu cinza."

atores/fotos reais

A relação é tumultuada do começo ao fim, mas a atriz Marina Gatell completa um triângulo amoroso que ultrapassa as cenas de sexo pra uma complexidade sentimental maior. Algo impede Dalí de se aproximar de Lorca, sexualmente mesmo, mas o desejo de Magdalena [Marina] por Lorca é tamanho que Dalí tem nela sua projeção... E algo acontece. Culpa, prazer e desejo. A excentricidade particular da ousada e sexy personagem dá uma liga na maioria dos momentos.

A intensidade dramática da cena em que todos estão sentados ao redor de uma mesa no bar acompanhando as notícias sobre Garcia Lorca é tão surreal para os imersos no drama que se assemelha a um soco no estômago. "A tristeza está expandindo-se pelo mundo." O resgate de um pouco de cada um dos momentos significativos ao longo de 107 minutos acontece em meio àquele sentimento de perda, de vazio cruel que larga a todos de mãos atadas. Impiedoso. De alguém que você de fato conheceu e não está mais ao seu lado seja por quais forem os motivos. É triste. Um silêncio que ecoa em meio a interpretação dos amigos. Uma caida sentimental em câmera lenta natural. Quase como se você pudesse lamentar e pronunciar laconicamente "eu estive lá" com toda certeza.

Depois de enquadramentos e fotografias como a do banho no mar, jeito melhor de encerrar o filme não existiria: um Pattinson insano na cena do quadro com a tinta preta em todos os lugares.

Um pequeno grande filme. Peculiar. Proveitoso em suas formas e mensagem. Não é sobre o que acontece, é sobre como especialmente acontece e o motivo de ter acontecido. Logo no começo um diálogo do aspirante a cineasta Luís Bañuel sobre o poema de Lorca de certa forma ilustra isso: o que é que Federico Garcia Lorca sente sobre essas borboletas, o que o enfurece, o que o excita? Até então as borboletas só estão lá, e ponto. Bom, eu estive lá.

ESPECIAL Trois Couleurs

2010-02-08T01:59:00.029-02:00

A velocidade de um filme contribui diretamente pra intensidade psicológica dele? São todos os filmes europeus cansativos? Como são vistos alguns dos ideais da humanidade separados de quaisquer visões políticas? O polonês Krzysztof Kieslowski escreveu, dirigiu e produziu três longas que ilustram um pouco dessas interrogações dentro do significado de cada uma das três cores da bandeira da França. É importante perceber o momento histórico em que foram lançados: na comemoração do bicentenário da Revolução Francesa e no momento da criação da União Européia. Não são filmes comuns mas achei bom trazer um pouco do que senti assistindo a cada um deles nesse período de semiférias de verão do blog. Longe, às vezes sem comentar em muitos, mas atualizado.

Um post especial pra ser lido a cargo do curioso, o pedaço que quiser.

Um conjunto de nadas chega a formar alguma coisa? Foi praticamente essa idéia que mantive na minha cabeça quando comecei a assistir A Liberdade é Azul, de 1993. Tudo começa com o close de um olho abrindo, e assim também termina. É verdade que há uma história: Julie acorda em um hospital depois de ter perdido o marido e a filha pequena em um acidente, tenta se suicidar mas não é capaz. Ponto. Não apresentam nada, não chegam nem mesmo a mostrar direito o rosto de sua família em meio às tomadas preenchidas por um azul intenso e por uma significativa lentidão. Lentidão necessária pra mostrar os sentimentos na ótica do diretor? Ou um tour em uma vida comum? Simplesmente colocam essa mulher que parece precisar decifrar seu próprio ser -- agora vazia por escolha própria depois da morte dos entes. Isso fica bem nítido em uma cena que o funcionário do apartamento lhe pergunta a ocupação -- "nenhuma", ela responde decidida e calma. "Nenhuma..." Consciente dos fatos, o que fazer pra achar um caminho? Aliás, achar um caminho ou se desligar de tudo e de todos? Qual caminho é esse? Que filme é esse???

É bom assistir sem nenhuma expectativa e prestar atenção no jeito desapegado de Juliette Binoche no papel principal. Às vezes dá a impressão de que na concepção dela o mundo todo virou as costas e ela, até involuntariamente, tenta fazer o mesmo com ele. Esse aprofundamento sufocante de melancolia [também chamado blue, em inglês] sem esperanças fica progressivamente profundo quando os trabalhos do marido como compositor do "Concerto Pela Unificação da Europa" precisam ter continuação. Enquanto Julie auxilia Olivier [Benoît Régent], antigo parceiro do marido na elaboração da melodia, ela sente um choque de idéias. Ao mesmo tempo em que -- como diz a sinopse -- "reencontra a vontade de viver" [o que não concordei e não consegui achar durante esse trecho em questão], descobre coisas que como ela mesma diz poderiam ficar sem serem descobertas.

São nas pequenas ações que a liberdade emocional é caçada? Para ela, excluir-se é sinônimo de não ficar sujeita a escravidão das relações humanas, no mais primitivo conceito? De qualquer modo são cenas assim que permeiam o longa. Talvez do arrependimento de alguns feitos... ou da incômoda sensação de continuidade de outros... "Ela é uma mulher muito boa", dizia o marido, "até mesmo se você precisar dela ela estará lá." Onde está essa mulher? Destruindo famílias... -- de ratos, que seja -- ? A única risada aparece quando sua correntinha lhe é devolvida pelo garoto que estava no dia do acidente e lhe diz as últimas palavras do marido: o desfecho de uma piada que contava pelo caminho.

Vale assistir com a intuição. Se você estiver desesperadamente precisando de uma comédia ou deteste filmes metidos a cult passe longe. Vale assistir sabendo que 1h30 de duração podem não passar tão rapidamente em um filme que certamente não é para todos... [permaneci com a dúvida se estava eu mesmo incluso nesse meio até a conclusão das cores] e que os elementos podem nem sempre fazer sentido. Piscinas, ratos, doces, correntes, estranhos, prostitutas... e recordações azuis. A bela trilha sonora pelo menos é um prato cheio, é como se desse porte ao filme. Nas tomadas e cortes de câmera por cenários em vazio pra mim só resta a mesma pergunta: o que pensar?

Em A Igualdade é Branca, de 1994, somos apresentados a uma agilidade maior de narrativa. Não que o cenário emocional não seja importante como em Blue, mas não chega a ser quase um personagem próprio, não se perde em divagações excessivas. Atenção: excessivo necessariamente não significa ruim. Em troca, as possibilidades de discussão também são tão ou mais amplas que o antecessor. As cartas, as pombas, as estátuas, o céu, as paredes, tudo exibe branco. Krzysztof dirigiu a edição do primeiro filme ao mesmo tempo em que rodava este e já adicionava alguns elementos e preparativos no script do terceiro. Em suma, completou 3 filmes em 9 meses.

Enfim, a tradição de não especificar muito o histórico dos personagens permanece, o pertinente é a emoção do momento, o que eles sentem ali, e talvez o motivo por que sentem. A abertura é um prenúncio: uma mala navegando pelas esteiras de um aeroporto, a ironia sutil da razão disso vem depois. A história segue a jornada de Karol, um polonês que recebe a intimação para comparecer ao tribunal -- sua esposa Dominique pede o divórcio e o deixa sem nada, sem nem mesmo ter um lugar para dormir, apenas uma mala com seus utensílios de cabeleireiro. A notícia de que ela não o ama mais é justificada pela não-consumação do casamento.

Tocando com a boca seu pente dos tempos de trabalho uma canção típica e triste polonesa sentado no chão do metrô, Karol conhece um conterrâneo que lhe promete ajuda para retornar a Polônia -- só teria que prestar um pequeno serviço: matar um homem que quer ser morto mas não consegue isso. Karol não se importa com a quantia em dinheiro e acaba reacendendo a vontade de viver deste homem. Mas quem é ele? O amigo o ajuda a passar pelo aeroporto dentro de uma mala, dai a primeira cena. A comédia negra começa quando a mala é extraviada por bandidos, mas Karol chega em sua terra natal. Lá, arruma um emprego de segurança e consegue comprar terras almejadas pelos próprios patrões, vendendo a eles mesmos pelo triplo do preço. Com o dinheiro abre uma firma que é a chave para enriquecer e destruir a vida de Dominique.

A última cena rende discussões até hoje. Julie Delpy faz sinais com as mãos quando Karol a visita de binóculos ao longe. Diz-se que a intenção do diretor ao rodá-la meses depois para anexar ao final é amenizar a imagem da personagem. Ela não é um monstro, "ainda há algo de humano nela".

Julie e Zbigniew Zamachowski ficaram sim memoráveis pra mim nos papéis principais. No entanto algumas coisas podem não convencer tanto se forem refletidas, eu pelo menos penso. Licença poética? Veja, de uma hora para outra, com apenas alguns estudos de áudio através do toca-fitas, Karol aprende Francês fluente, o suficiente pra falar com qualquer cidadão que cruze sua frente. Além disso, deixa de ser um tanto submisso e atrapalhado pra se tornar esperto e rico até abrir uma firma em tempo record. O que é isso? Fruto da raiva? "Não há nada mais doce como a vingança", diz a capa do dvd que guardo com estima.

Red, o terceiro e último volume dessa distinta trilogia parece ser o mais dinâmico de todos. Em termos de ritmo e amplitude filosófica parece atingir de fato o ápice. Além da expressividade de tons vermelhos em quase todas as tomadas, o filme dialoga com a questão do certo ser relativo enquanto intercala de forma inteligente vidas e tempos diferentes. Tempos que alguns só identificam perto do final. Se são todos os homens maus não se sabe, mas em 1h30 de duração muitos temas são levados em conta. A fraternidade é uma decorrência do remorso futuro?

Considerado como um dos 10 melhores filmes do ano pelo Los Angeles Times, The New York Times, Chicago Tribune e The Washington Post, Three Colours Red traz a história de uma estudante e modelo que encontra em um homem de meia-idade misterioso sua chance de interagir e talvez descobrir o outro lado da moeda, como se julgamento e esperança se contrastassem. Irène Jacob atua com uma postura solidária, preocupada pelo próximo.

Krzysztof abre uma janela indiscreta não hitchcockiana, nem clássica ou cômica, mas intimidante. A Fraternidade é Vermelha provou mesmo ser o último trabalho do diretor, como ele mesmo havia anunciado, devido sua inesperada morte em 1996 aos 54 anos. Segundo críticos, "Red é interpretado como sendo um anti-romance, em paralelo com Blue sendo uma anti-tragédia e White anti-comédia". A trilha sonora um pouco mais despojada do que a dos anteriores auxilia bem a torná-lo desta forma.

Dirigindo de volta pra sua casa Valentine atropela algo pelo caminho. Já abalada emocionalmente decide parar e topa com uma cachorrinha ferida em pleno asfalto... a cena é forte e só por si já justifica o título para o Brasil. O endereço do dono na coleira a leva para a casa de um juiz aposentado arrogante e fechado que não dá atenção para o animal e muito menos para Valentine. "Se fosse sua filha a precisar de ajuda também não se importaria?" "Não tenho filha", diz estoicamente Jean-Louis Trintignant no papel. Além de passar seus dias espionando as ligações telefônicas de seus vizinhos, "tomar posse da intimidade daquelas pessoas", a modelo tem muito mais a descobrir do que se esconde por trás do enigmático sujeito.

Além do sofá, dos carros, do pôster, do teatro e do maço de cigarros Marlboro com cores vermelhas, imagens de vidros quebrados são quase como personagens: é a violência dos vizinhos que quebram o vidro quando sabem da espionagem, é o copo no boliche... No final o elenco principal de cada uma das três cores reaparece para a surpresa do expectador num episódio dramático.

O crítico de cinema Geoff Andrew o define magistralmente: "É um filme sobre destino e escolha, solidão e comunicação, cinismo e fé, dúvida e desejo; sobre vidas afetadas por forças que vão além do racionalismo."

Os mesmos clarões de luzes aparecem em momentos estratégicos nos três filmes. Seriam pontos-chaves revelados pelo diretor? Epifanias?

O tribunal francês é triplamente recorrente, e Binoche aparece entrando equivocadamente em Blue no julgamento de Karol em White, e isso é mostrado nos dois longas. Algumas previsões de cores também são mostradas -- em Blue alguns tons brancos aparecem, em White alguns vermelhos tomam contam para indicar o que vem pela frente. Mas quem sabe uma das coincidências mais inesquecíveis de A Trilogia das Cores seja a figura de pessoas velhas tentando alcançar um compartimento de reciclagem para garrafas. A Wikipédia trás simbolicamente essas aparições como: em Blue, Julie não nota a senhora idosa no sentido da liberdade; em White, um homem idoso não consegue chegar ao compartimento e Karol o olha com um sorriso ameaçador no sentido da igualdade; e em Red, Valentine ajuda a senhora a colocar a garrafa no sentido da fraternidade.

Mais ou menos nas palavras de Kubrick, um diretor que ganhava poder em permitir que o expectador percebesse o que estava acontecendo mais do que contar ele mesmo a história. Você nunca vê as idéias vindo e não percebe até muito tempo depois o quão profundo elas atingiram seu coração.

Curioso... no mínimo. Eterno... para os admiradores.

Um Coração de Lata

2010-02-02T11:05:00.006-02:00

A diferença de redescobrir um filme... isso é algo bom! E quanto é! Foi mais ou menos o que aconteceu comigo ao rever esse. Sabe quando você até gosta de algum determinado e gosta igualmente de ver repetidas vezes mas ainda pensa "eu já assisti"??? Parece um bloqueio que aquilo te causa. Não é um filme bôbo com total certeza, pelo contrário. E agora guardo com uma lembrança melhor ainda do que tinha. Então...

O Homem Bicentenário, longa de 1999 dirigido por Chris Columbus apartir do romance homônimo de Isaac Asimov, traz a inspiradora história de Andrew, um robô produzido para servir a família Martin em um futuro "não tão distante", futuro que pra nós certamente já é passado. A história é simples e carregada ao mesmo tempo: ele não aparenta ser só uma máquina, aos poucos acaba nutrindo sentimentos pelos entes mas vê nesses o conflito do sentimento. Em contra-mão, como comportar-se com um aglomerado de fios e metais? Andrew pode ter ficado complexo apenas pelos livros e idéias que o dono Richard [interpretado por Sam Neil] lhe propiciou. Mas nós humanos não somos complexos por essência?

Logo nas primeiras cenas já é nítido a distinção de perfis dos personagens de acordo com o modo que reagem à esquisita sensação de conversar com alguém programado para qualquer coisa. A filha caçula do casal, notável presença gentilmente interpretada por Hallie Kate Eisenberg, encanta! Ela é inocente na medida certa, simpática e bonita. Convence, eu acho. Depois de fazer o clássico das sessões da tarde Paulie - Um Papagaio Bom de Papo, foi a vez de encarar "Little Miss" Amanda, ou, algo como Menininha na versão dublada. A ela aquela figura com movimentos excessivamente humanos lhe causava susto, enquanto que para a irmã com um gênio arrogante e insuportável ele era estúpido. Aquilo que assusta pode ser um caminho para a compreensão mais do que a porta fechada da "estupidez" é?

O conceito de liberdade é explorado na medida que Andrew pensa em comprar a sua tempos depois. Deixar a família nunca, ele continuaria pronto a servir, mas... precisava dessa chamada liberdade. Liberdade e lealdade são apolares? Em pé de deixar de receber ordens -- mesmo que, por explicação de Amanda, nunca tenha lhe dado ordens, apenas pedidos -- Andrew diz algo como... "terríveis guerras surgiram onde milhões morreram por uma idéia, liberdade". Liberdade? Lealdade? Igualdade? Não importa quem seja, todos merecem ter igualdade na visão de Amanda, que não é mais criança. Além disso, ele pede ajuda para abrir uma conta bancária a depositar todos os lucros que obteve com seus trabalhos de criação com marcenaria e etc. Ironicamente não há nenhuma lei contra já que nenhum é como o andróide.

Ser robô pode ser mais do que ter instalado uma capacidade absurda de fala e aprendizagem. Isso Andrew tem, mas não consegue entender como não encontro nenhum igual a ele. Nesse ponto que o filme mostra o quanto a individualidade não tem preço. Mesmo aqueles que são munidos de um chip de personalidade não se comportam da maneira dele. Será que os sentimentos vinham realmente da complexidade aprendida por linhas e mais linhas de volumes em capa dura ou ele adquiriu isso anos atrás quando o dono disse que ele ia ser tratado como uma pessoa? Não é difícil perceber o momento quando ele mesmo deixa de se chamar de One [ou Isto no dublado] para dizer "eu".

Mais que uma comédia que garante excelentes momentos [veja, contar piada a uma máquina não é lá tão fácil], é uma comédia de aprofundamento amoroso. Um romance científico atemporal sobre as relações, humanas ou não. Isso não é demonstrado só com a perfeita esquematização de olhos que se movem, sobrancelhas de ferro em destaque e o centro-coração do andróide que se acende quando se conecta a uma fonte de energia para recarregar, é despejado em emoção quando Robin Williams já se transporta para Andrew em pele e diz: "É cruel que você pode chorar e eu não. Cada ser humano que gosto vai embora". O relativo e subjetivo tempo dos seres humanos é catastrófico para ele. Mais um elemento? A imortalidade? De que vale ser apaixonado e apaixonar-se em qualquer sentido e direção que seja se tudo é passageiro? "Não é só sobre ser racional, é sobre seguir o coração, cometer erros." São todos os homens bicentenários?

"In a sense I have. I am growing old, my body is deteriorating, and like all of you, will eventually cease to function. As a robot, I could have lived forever. But I tell you all today, I would rather die a man, than live for all eternity a machine."

Fábula ou simples adaptação?

2010-01-27T02:35:00.010-02:00

...Alguns anos desde que peguei O Amante de Lady Chatterley pra ler e sem nem ao menos chegar na metade o abandonei. A razão disso eu sei perfeitamente, ou pelo menos a razão na época. Esperava alguma narrativa centrada nos sentimentos e só, talvez um certo lirismo inicial que seja, ou uma expressatividade ágil do ponto de vista claro de um único personagem no mínimo. O que encontrei, contudo, foram diálogos vazios no meio da aristocracia, algo pesaroso e muito "classificativo". Enfim, não vi consistência. Nenhuma. Na época. Explico... pra frente.

Fato é que depois de assistir o filme de 1981, do cineasta francês Just Jaeckin, esse do post, dá pra pegar o caminho do estilo de narração de D.H. Lawrence. Se eu tive uma outra expectativa e não soube observar com paciência o que é que ele queria propor ali, pelo menos no filme eu acho que consegui. Nisso que aprovo as adaptações para o cinema. A trilha sonora que não é fácil de ser esquecida aliada aos atores principais -- Sylvia Kristel [sim, aquela de Emmanuelle], Nicholas Clay e Shane Briant -- e suas cenas fortes fazem deste um clássico. E foi apartir dele que agora posso dizer: mantenha-se longe de Clifford Chatterley, é um dos seres mais desprezíveis que desfilam pela classe alta dos anos 20, mas um dos mais intrigantes se... estudado.

Traição consentida? Hum. Ela, uma dama que sempre debateu abertamente sobre o amor desde jovem diante dos rapazes nos eventos da sociedade. Ele, no entanto, mesmo acostumado à aristocracia rural via-se amedrontado frente a pessoas "inferiores" e além disso enxergava o sexo como uma sujeição mais que não importante ao casamento, comparando-o por exemplo a uma cópula entre cães. No filme não é necessário saber do histórico todo embora ele te passe algumas cenas como prólogo. No livro uma boa genealogia é explicada logo no primeiro capítulo. Nas palavras de Lawrence, "a intimidade dos dois lembrava a de passageiros dum navio que vai indo ao fundo".

O conflito: o marido é chamado para ir ao front e retorna seis meses depois sem poder andar. Detalhe: no livro a cirurgia demora dois anos. A "habilidade" prévia de não se importar com o sexo aumenta mais ainda agora que da cintura para baixo estava paralisado. Mas como no filme o fluxo de informações já é bem rápido você não fica a par que de fato o temperamento dele sempre foi assim. Claro, dá pra perceber o ar de superioridade arrogante bem antes do acidente no brinde que faz quando a guerra começa, mas não é algo evidente como no livro. Só admirei a atuação quando vi que ele era mesmo alguém torturado e carregadamente destrutivo, que a intenção era mesmo a repulsa, o "causar nojo"... e isso é constante e progressivo durante os 104 minutos na tela. O acidente só serviu como impulsionador para que descontasse isso na esposa, queira em mais ou menos tempo.

A raiva, maior, desperta em qualquer um quando o Sr. Chatterley tenta expor que sabe bem das necessidades de sua esposa, sendo ele "inutilizado", e explicitamente discorre da possibilidade sobre um amante. Não só tenta incitar ela a isso, mas... sim, passa a ordenar que ela se distraia e arrume "afazeres". A enfermeira que fica como uma sombra dúbia em cima se enche de olhares desafiantemente exasperadores que a estimulam a isso também. Constance não quer ir... mas no que o próprio autor do romance define como "... não só [...] uma consumação, mas uma catarse, uma depuração do medo e da vergonha, [...] uma purificação do que uma satisfação", ela vai. É engraçado que no livro Connie arruma uma espécie de amante, Michaelis, em uma das reuniões sociais na mansão, muito antes de o próprio Cliff começar a agir importunamente. Reuniões sociais essas... com diálogos por vezes filosofais e por vezez cômicos -- na literatura. O que não aproveitei muito na primeira leitura provavelmente por estar já contrariado.

***

"Mas crê ao menos em alguma coisa?"

"Eu! Intelectualmente creio ter um bom coração, um pênis em bom estado, uma inteligência viva -- e na coragem de dizer "merda" diante de uma senhora."

"Tudo isso você tem" murmurou Berry.

Tommy Dukes torceu-se de rir.

"Meu anjinho, ah, se assim fosse! Se assim fosse! Não, meu coração vive inerte como uma batata, meu pênis nunca levanta a cabeça -- e preferiria cortá-lo a dizer "merda" diante de minha mãe ou minha tia, damas respeitáveis; e também não sou inteligente Sou apenas um "vivedor mental"."

***

O terceiro elemento explosivo: Mellors, que aparece até um pouco antes disso tudo, ironicamente cabisbaixo, sem se revelar, quando ajuda o patrão Cliff a se encaminhar para o casarão. A propósito, aparece bem diferente de quando Connie o vê no meio da floresta: totalmente nu em pé, de close, se banhando em meio a espumas. A descrição no livro é quase idêntica, "...grosso culote, escorregando por aqueles rins alvos e delicados, onde se viam ligeriramente os ossos; e o senso da solidão absoluta em que ele se julgava [...]. Nudez perfeita, pura, solitária, dum ser que vive só e sempre consigo mesmo." Boa parte do "Não Recomendado para Menores de 18 Anos" vem dai. O guarda-caça não a rejeita de propósito quando em uma segunda visita ela resolve interagir com ele, pelo menos não de propósito feito o marido -- a voz, o jeito, a humildade no fundo esquiva e rústica... tudo a atrai... Com o tempo, quando se aproximam mais... e entre os encontros sexuais, Connie se apaixona. E o que fazer?

Duas cenas do filme parecem ser excelentes em especial, ou pelo menos que eu tenha percebido pela construção de tais. Primeiro quando o patrão humilha o guarda-caça ordenando que o ajude a sair do suposto "atolamento" na lama. Propositalmente segura o freio e olha pra esposa cinicamente. O momento é perturbador, doentio, e parece não passar nunca. Segundo quando Cliff acorda de um pesadelo em que está sendo traido e vai de encontro a cama -- vazia -- de Connie [no momento dormiam separadamente]. Enquanto manobra com muito custo a cadeira de rodas e se joga nos degraus, a esposa está nos braços de outro que lhe distribui flores pelo corpo. A câmera se concentra em mostrar as duas situações intercaladas em segundos... enquanto Mellors desfruta do momento entre risos e beijos, o marido embrulhado em suor, indignação e raiva sofre mudamente pra chegar ao pé da escada. Aonde isso chegará? Qual a resolução, ficar ou fugir?

Tido por muitos e não por mim como um semi-cult do soft-porn [um absurdo], o longa tem sua edição em dvd pela MGM e traz um aspecto de letterbox -- o que dificulta um pouco os que possuem um monitor ou televisor já em widescreen, o "zoom" é uma boa ferramenta nessa hora, mas um pouco inútil. Qual o motivo de continuarem lançando assim alguns? O áudio é em Inglês mono com legendas em Inglês, Espanhol e Português. Extras? Nenhum. Comprável? Sem dúvida.

Streep e Irons

2010-01-19T00:52:00.018-02:00

Águas Passadas

Pra ser franco... Um post-comentário. Até porque fiquei um pouco fora do blog e ainda não fiz muitas visitas por ai... Se não me engano o primeiro filme que vi no ano. Não estava chovendo e não foi de tarde, o que contradiz nitidamente os próprios cenários durante os 124 minutos de longa. A edição em DVD da MGM é pobre em extras, não lançam mão praticamente de nada, mas pelo menos contém os 3 idiomas comuns pra Região 4 [Inglês, Espanhol e Português] tanto em áudio como em legenda. Ah! E observe, também não é duplo, mas pelo menos tem um widescreen anamórfico que presta. Se interessar por ele em uma locadora ou em alguma loja não é para todos, admito. Mas minha preocupação fica no blog, não na loja.

A sensação inicial foi uma certa timidez em comentar ou não um filme que podia trazer um teor carregado. Não só teor, toda uma aura que o título, A Mulher do Tenente Francês [de 1981], e os atores principais, Meryl Streep e Jeremy Irons, poderiam dar ao filme. Meryl com o mesmo rosto [ok, nem tanto] memorável de sempre e ruiva. Irons no começo da carreira de cinema. Notar o esforço feito para torná-lo um clássico é algo súbito: são dois papéis duplos regados a muito sotaque e cenários ingleses [que acho muito charmosos], escritórios de madeira e conversas sob lâmpadas, o mistério sutil causado pela bela trilha sonora... Mas depois disso veio outra questão: o que aquilo tudo queria transmitir? E o que eu tinha achado?

Baseado no clássico da literatura por John Fowles, a trama, embora não aparente... é bem simples: você é transportado pra Londres do século XIX e começa a acompanhar os acontecimentos pela ótica de Charles, um cientista e biólogo que está noivo mas vê em Sarah, uma moça que sempre está avistando o mar desconsoladamente, a possibilidade de um outro romance. Aquela figura sóbria de capuz preto vagando sobre as orlas marítimas em tempos chuvosos o encanta inexplicavelmente. Infelizmente os comentários sobre Sarah são péssimos, ela é tida como a “mulher” do tenente francês, um homem que a abandonara mesmo já estando casado. Nas palavras revoltadas da própria... “ela não é nenhuma dama, dizem, só... the french lieutenant's whore”. Segundos depois esse casal reaparece mas de um outro jeito, são eles agora os “atores” que executam ambos os papéis clássicos. Fica um tanto confuso para quem ainda não leu a sinopse, mas perceptível. Agora são Anna e Mike tendo um affair paralelo a trama encenada. Anna de cabelo curto e alisado, Mike sem barba e mais moderno. Com isso, alguns o vêem como uma espécie de efeito criado apartir da visão da sociedade no século XIX pela perspectiva da sociedade do século XX. Como se fosse uma metalinguagem em camadas.

Claro, assuntos como a prostituição, a imagem e os ímpetos femininos são exemplificados. Talvez uma forma de justificar esse encaixe de papéis. Veja Charles, é bem diferente da maioria dos homens, por exemplo; ele não julga e acha que se o tenente não voltar para ela é porque ele não é digno dela, simplesmente.

Eu vejo mais como um estudo não tão aplicado sobre a melancolia em suas formas na interpretação de Meryl. “Era como se a tortura tivesse se convertido em seu deleite”. Nada muito além disso. “Só sou feliz quando durmo”. As correspondências entre as duas “eras” não são lá tão paralelas [exceto pela infidelidade conjugal] e, no meu modo de ver, não dialogam muito entre si. Em um pouquinho mais de duas horas de longa você só fica preso naquele impasse vitoriano sem saber o que pensar ou pra onde ir. Refém da bela fotografia, mas perdido. Chegar até o final pra ver se o jogo vira? Claro! Algo não deu certo? Dará? Algo que se perdeu no meio daquele azul? No meio das águas passadas? Hum. Se contentar com o final? Talvez.

Por vezes o post demora a sair por conta do autor que fica perdido nas informações por ai.

Essa última imagem acima, por exemplo, mostra o ancouradouro "The Cobb" na cidade de West Dorset, Inglaterra. Ele é um dos pontos turísticos de lá lembrado pelo filme, vale clicar na imagem para ampliá-la em outra janela, a resolução está grande.

As outras duas imagens logo abaixo se referem a outra locação do filme no noroeste da Inglaterra, em Cumbria, mostradas quase no final da história. Todas idealizadas e desenhadas pelo arquiteto e designer Charles F. A. Voysey. Os terraços agora funcionam sob o nome de "Windermere Motor Boat Club".

E... por fim... Cartas de amor do autor do romance [1926 - 2005], na época com 65 anos a uma jovem fã de 21 anos foram recentemente descobertas e indicam que boa parte de A Mulher do Tenente Francês seja inspirada em sua vida real. Curioso para ao menos procurar pelo livro se o filme não agradar.

Aviões Nunca Mais - Tour 1974

2010-01-12T01:23:00.016-02:00

"Não inventei os dias chuvosos, mas tenho o melhor guarda-chuva."
-- Post Dedicado ao Amigo Cris do Apimentário --

Um filme sem palavras pra descrever. Um filme que te indicam e você se mantém na retaguarda esperando lá um tempo certo pra assistir, às vezes não muito convicto de alguma coisa... às vezes esperando um espurrão. Mas tenha certeza que indicá-lo pra alguém, pra um amigo de verdade, é um presente valioso. Só o barulhinho da agulha encostando no vinil nos primeiros segundos de créditos iniciais já dá um frio na barriga indescritível para aqueles que sempre sonharam em viver nesse tempo mas nunca puderam. Só os que sabem o que é sentir a capa de um disco como o personagem faz, tirá-lo com cuidado do papelão envolto no plástico, sentir o cheiro característico e o sentimento de ouvir o som quase tão próximo a você como se estivessem tocando ao seu lado compartilham desse saudosismo intoxicante. É crescer saboreando um pouco do que ainda existia da rara sensação. Se os tempos do verdadeiro Rock se foram eu já não sei, mas que o longa resgata isso fielmente com unhas e dentes... resgata.

Quase Famosos, dirigido e escrito por Cameron Crowe traça um pouco do que foi sua própria vida. William Miller [Patrick Fugit] é um garoto de 15 anos que já viu muitas coisas, sua irmã mais velha, Anita [Zooey Deschanel], se revoltar quando era nova e sair de casa com o namorado pra ser aeromoça é uma delas. Sempre obediente à mãe e bem maduro pra sua idade, cresceu com os discos -- na época criminais para serem ouvidos dentro de casa -- deixados por Anita. No bilhete deixado, "ouça ao Tommy com uma vela acesa e você verá seu futuro inteiro" Entre Led Zeppelin, Pink Floyd e outros conhece o escritor Lester Bangs [feito pelo Philip Seymour Hoffman] e passa a mandar as críticas que escrevia no colégio. Vendo um grande potecial Bangs se oferece para pagar por uma entrevista da banda Black Sabbath e William vai atrás sem hesitar. O grande lance do destino é que acaba sendo barrado na porta dos fundo dos camarins, conhece Penny [uma groupie] e topa com a banda de abertura [fictícia] naquela noite: os Stillwater. Vendo o bom caráter do garoto, eles o deixam fazer uma entrevista e assistir ao show. Em questão de pouco tempo fica amigo do guitarrista, Russel, se apaixona por Penny [Kate Hudson], embarca na turnê deixando sua casa e consegue um convite para escrever na revista Rolling Stones.

Sem deixar de ser enjoativo em nenhuma parte, nessa jornada elegante de "Almost Famous" a trilha sonora que acompanha William é magistral desde o início: Simon & Garfunkel, The Who, The Beach Boys, Rod Stewart, Lynyrd Skynyrd, David Bowie... Vale olhar, conferir do começo ao fim. Um álbum de fato comercial por não conter apenas canções incidentais, mas de ouro.

As "estruturas" não param por ai. O humor bem encaixado e de bom gosto usa menções passadas pra criar o efeito de cumplicidade com o expectador, parece uma intertextualidade entre você e a tela. O elenco todo é responsável por isso. A mãe que insiste em dizer até mesmo na frente de todos os fãs da banda para o filho ficar longe das drogas e liga de 5 em 5 minutos no hotel dizendo "eu sei o que está acontecendo" deixa qualquer com um sorriso pensativo se relembrando das vezes em que já viveu algo semelhante. Veja, o tom bizarro e descontraido da cena no orelhão onde até o amigo guitarrista se espanta, "sua mãe meio que me assustou".

"Hey, hey, me ouça, "senhor". Seu charme não funciona comigo. [...] Se você quebrar o espírito dele, fazer alguma coisa que o machuque em qualquer sentido, deixá-lo longe da profissão que ele escolheu que é o direito -- algo que você pode não dar valor mas eu dou -- você irá conhecer a voz do outro lado da linha e não vai ser legal. Estamos entendidos? [..] Não pedi por esse papel, mas vou fazê-lo. Agora ande e faça seu melhor."

Por falar em passagens, duas em especial são inesquecíveis pra mim. Quando todos cantam Tiny Dancer do Elton John dentro do ônibus. "Hold me closer, tiny dancer. Count the headlights on the highway." Aquilo vai se desenvolvendo aos poucos. Anna Paquin também soltando a voz em um dos bancos ainda garotinha fica bem visível. É uma energia boa que mesmo você não sabendo a letra dá vontade de cantar junto, principalmente por causa da situação que viviam no momento. E por fim, a tensão na viagem de avião durante uma tempestade elétrica em que todos pensam subitamente que vão morrer. Um diz que ama a banda, que é sua família, mas nunca quis falar. Roupa suja é lavada. Outro ainda revela que é gay! Depois de tudo o avião cai mesmo??? Hilário.

Mais que um road-movie, um filme pra ser vivido. Nesse sentido não é só uma semi-biografia do diretor, mas um espetáculo visual inspirador que parece agradecer a todos os entusiastas que fizeram e fazem desse tempo uma era distinta de qualquer outra. Um clássico moderno como já não se faz mais. Sem igual. Apaixonante. Uma vez não é nem de longe o suficiente pra absorvê-lo. E há vezes suficientes???

Como os outros

2010-01-10T11:54:00.013-02:00

Qual filme com um enredo homossexual teria o seu enlace na relação entre um homem e uma mulher?

Desanuviando dos clássicos e colocando algo diferente e rápido: o quarto e simples post! Um filme assistido em um dia de chuva em frente ao pc, contrariando as leis do pode-acabar-a-força. Independente de críticas alheias foi um título que eu gostei, e sem nenhuma pretensão de início... acabou conquistou um espaço por aqui!

Baby Love é um longa francês de 2008, também conhecido como Comme Les Autres, escrito e dirigido por Vincent Garenq. Emmanuel Bernier é um pediatra que mantém uma relação estável com outro homem. Até então o casal é visto por alguns como o exemplo de que duas pessoas juntas dão certo. Também a esperança para os amigos solteiros continuarem na procura. De fato tudo anda bem até o médico, já em seus quarenta anos, sentir a vontade de ser pai e resolver entrar com os papéis para adoção. Tirando por alguns problemas, como bater o carro distraído na rua, ele é perfeito para ser pai. Phillippe [Pascal Elbé], o namorado, no entanto é um advogado satisfeito com a sua vida e que não vê nenhum bebê no caminho. Nessa discussão toda os dois acabam se separando e a vida de Emmanuel vai se desmoronando quando -- escondendo tudo o que possa indicar que ele é gay e deixando outras para trás -- não aprovam a adoção. O que fazer agora perdido?

Como uma das coisas menos esperada se você não ler toda a sinopse, o médico [interpretado por Lambert Wilson -- o Merovíngeo do Matrix] marca um encontro com a moça do carro batido, Josefina [Pilar López de Ayala], depois de acertar os danos pelo prejuízo e vai direto ao assunto: tomando uma taça de vinho pergunta se ela aceita ser a mãe do filho dele, em troca teria, por exemplo, a cidadania francesa. A resposta pra isso é vinho jogado por toda a mesa e uma saída exasperada.

Por sorte, tempos depois, Fina é pega pela polícia local e pede ajuda para o médico por telefone alegando ser sua noiva. Ela se muda temporariamente para o apartamento dele e desde então os dois começam uma relação de amizade extrema desde, mas sem nenhum compromisso com o acordo proposto. Em uma madrugada, andando para lá e para cá, Fina acorda o pediatra e diz que está pronta. A convivência é muito boa, impossível não simpatizar com ele. Apesar de ter um bocado de comédia por vezes, o drama é sempre presente: um golpe muito triste e quase definitivo cai sobre a vontade de Emmanuel, agora o problema é com ele. O quê? Como resolver isso? Onde está Phillippe agora? Ponto-chave? Reviravolta e redenção? Só assistindo.

O longa todo é cheio de idas e vindas, mas ao seu próprio compasso. Quando pensa que terminou tem sempre uma pontinha a mais. Talvez uma tentativa de fechar o roteiro por completo... enfim, não sei. Mas de qualquer forma ele todo tem um ritmo, não é chato, muito menos cansativo. Há um romance perceptível sim, diferente do que algumas críticas espalhadas pela Internet dizem, mas ele é mostrado de diversas formas, em nenhum momento é apelativo ou deixa se levar por coisas impertinentes já que o intuito é centrado na idéia do bebê e nas emoções reais do médico. É uma jornada.

Emmanuel, ou, Manu, parece ser um personagem especial: não é estereotipado – aliás, vale ressaltar que nenhum do elenco é --, humilde no que faz, engraçado quando tenta ser persuasivo e na maioria do tempo o responsável por puxar os noventa minutos de estória de uma forma leve e interessante.

A sinopse não consegue transmitir nem um terço de sua essência, assistir é se entregar à estória que pode parecer comum, mas não é. Abaixo, o trailer.

O Homem Com o Nome Circulado

2010-01-10T00:40:00.013-02:00

Faroeste Americano no México

Ops, terceiro post! Espero que a fase dos clássicos ou "meio-clássicos" não esteja tão maçante. Tô tentando preservar os pôsters originais ai ao lado. Ainda que alguns não caiam tão bem, acho o estilo de arte de antigamente bastante curiosa. Assim parece achar também o dvd da coleção Fox Classics, porque esse ai é mais um. Apesar do disco ser praticamente nulo em extras [só possui o trailer], pelo menos traz a dublagem em português... o que, convenhamos, é meio difícil pra alguns.

Considerado como um dos 1000 melhores filmes do mundo pelo The New York Times Viva Zapata! é um clássico de 1952 que entrou pra carreira de Marlon Brando no ano seguinte ao de Uma Rua Chamada Pecado. Dirigido pelo mesmo responsável, Elia Kazan, as quase duas horas de filme contam a história de Emiliano Zapata, um homem que acaba virando líder da delegação de lavradores mandada para reclamar sobre as injustiças e corrupções do governo autocrático mexicano de Porfírio Díaz que perdurou por 35 anos.

A trama garante bons momentos. Mas como discordar de alguns no quesito “grande filme”? Detesto não gostar tanto de um filme ou não ver mais que um ou dois chamativos nele, tenho impressão de que não consegui absorver o que ele queria passar. Exceto aqueles que visivelmente não prestam, diferentes desse. Claro, existem pontos bons, não dá impressão que é lento em nenhum momento, nada disso. Dê uma olhada em um dos pôsteres originais. Aliás, ter essa movimentação que parece ser um desses chamativos... e aliado à atuação de Brando é o que o puxa para o ”faroeste”. Não há aquela parada onde as cordas se soltam e não se sabe pra onde vai. Mas o desenvolvimento, por outro lado, parece deixar de lado um pouco explicações mais históricas e os acordos que se passavam do outro lado da estrutura política. Os leigos literalmente dançam ao som da trilha mexicana e suas serenatas. É como se centrasse apenas no bando de Emiliano e dissesse: agora isso, agora aquilo! A razão de determinado ataque ou diálogo pode ter vindo um tempo atrás, explicitamente ou não, se não se concentrou durante esse tempo o único proveito que tira é da dita “romantização” do protagonista.

Marlon Brando praticamente não é Marlon Brando. Impossível. Compare na foto acima. Semelhança beira o nulo. O modo de falar, o bigode e a sobrancelha o transformam em um típico mexicano daqueles quietos mas pronto pra agir, brigar e falar na hora certa. Ou não tão certa assim. Diz-se que Zapata havia nascido em uma família que possuía terras e algum dinheiro, então obteve uma educação. No filme porém ele se revolta por não saber ler, quase chora e pede para que sua mulher o ensine em plena noite quando não conseguia dormir pensando nas questões políticas. O modo calmo de falar e os planos do deserto evidenciados pelo preto e branco ajudam a te fazer prestar atenção naquele personagem. Vide a cena que marca o trailer original, aquela em que deixa claro que Zapata é o homem com o nome circulado. “Luto por tanto tempo que não entendo o que é a paz”. Além disso a preocupação com o povo que confia nele passa por cima de qualquer outro prendimento, inclusive o de sua esposa [interpretada por Jean Peters] que chora temendo sua perda. “As terras por que lutei não eram minhas. Não lutei por um rancho”. Por exemplo, uma criança faminta sendo recriminada e espancada por roubar comida de cavalo é motivo pra figura “humanizada” de Zapata entrar em ação a favor da justiça ainda que não quisesse, no filme, ser a consciência do mundo. São as leis que governam ou são os homens? Homens honestos existem?

O irmão de Emiliano, Eufemio, entra na área pra se chocar com essas idéias desde o início. Ele é aquele imponente com as mãos na cintura e arma nas costas. É matar ou morrer. “Zapata não está. Quem quer falar com ele?” Anthony Quinn venceu um Oscar pelo seu coadjuvante. Ele indica visivelmente que a “guerra” que viria por anos a seguir não tem apenas a ver com a reforma agrária, mas com o poder e aquela postura que se altera de acordo com a riqueza.

A tensão vai aumentando e as cenas fortes também. É um trem explodindo ao colidir com dinamite, é um homem gritando em close prestes a ser fuzilado por guerrilheiros no meio do mato pela noite... Enfim, é Zapata... Zapata! “Zapata é um tigre. É preciso matar um tigre”. Grande final western/dramático por sinal. Mesmo não sendo, pra mim, um destaque insuperável ou algo do gênero, assisti-lo não é nenhuma perda de tempo.

Os Caminhos da Glória

2010-01-06T01:07:00.013-02:00

Um Filme Pra Se Prestar Atenção

“The boast of heraldry, the pomp of pow’r,
And all that beauty, all that wealth e’er gave,
Awaits alike th’inevitable hour.
The paths of glory lead but to the grave”

Elegia Escrita Num Cemitério Campestre –
Thomas Gray*

Mais um pro meu planejamento de Janeiro. Na verdade foi um filme que pareceu ir crescendo aos poucos. E, mesmo admirando muito mas ainda não sendo nenhum especialista no diretor como alguns amigos próximos cinéfilos por ai, resolvi postar pela estória. Ah! Mais uma vez ponto positivo pro disco simples da MGM DVD COLLECTION. Não tem muitos extras, na verdade só o trailer, mas vale pelo lançamento no Brasil. O filme é em tela cheia [4x3 1.33:1] e só há o idioma original em inglês. Enfim, de qualquer forma, excelente pra quem coleciona.

Glória Feita de Sangue é um filme de 1957 tido como referência no gênero dramático de guerra. Dirigido por Stanley Kubrick [um dos seus primeiros] em base no romance de Humphrey Cobb ambienta-se na Primeira Guerra Mundial durante a Guerra das Trincheiras e tem seu eixo na seguinte proposta: um general francês ordena um ataque visivelmente impossível e suicida sobre um território ocupado pelos alemães. Como se livrar da responsabilidade e da insensatez do ato? Espelhando-se no título original, Paths of Glory, como trilhar esse mesmo “caminho” sem nenhum sangue pelo histórico?

O discurso inflamado daqueles que só mandam atrás de uma mesa é expelido como exemplo durante o contraste precioso proporcionado pelo preto e branco nos sulcos das trincheiras. O realismo dos closes e dos diálogos fortes deixa em evidência essa obediência humilde dos soldados. As cenas aéreas noturnas nos campos de batalhas combinadas com a trilha sonora militar/suspense fazem o realismo subir ainda mais e o expectador se aproximar daquilo como em um 3D emocional [vale clicar nas imagens para ampliá-las em outra janela].

O efeito de demonstrar a injustiça e causar indignação não pára por ai. O um terço restante de sobreviventes do batalhão fica mobilizado pelo intenso tiroteio e desrespeitando uma ordem direta do superior não avançam. A resposta pra isso vem igualmente dele: atirar em direção do próprio pelotão e fazê-lo andar, mas os comandos não são seguidos. Atirar nos próprios homens é um ato de vandalismo, cruel, vil. Mais baixo ainda é apanhar três homens inocentes em seguida para servirem de exemplo e serem fuzilados pós-julgamento por covardia frente ao inimigo. Se é só uma amostragem, qual o motivo de serem presos e mortos? Ainda que não fosse uma simples amostragem. “A impossibilidade [de avançar no campo] só poderia ser provada com os corpos [dos próprios] [já] mortos nas trincheiras”, esse é o fundamento.

O longa parece ter duas fases distintas. E Kirk Douglas [praticamente um clone do filho Michael Douglas] é preciso na segunda metade. Ele não está lá só pra defender: o caráter um tanto rude e composto faz com que o julgamento esteja sempre ou boa parte em mão-dupla... afinal, ainda é um coronel. Mas, como de fato ele vê que a glória é toda através do sangue daqueles que são xingados de escória, chorões e covardes, a meta é denunciar todas as podridões existentes.

Conseguir denunciar, porém, é muito diferente de denunciar propriamente. Nas palavras de Dex, é impossível julgar se não dão nem a oportunidade de apresentar o caso. Preste atenção nos diálogo de revolta frente ao tribunal. Glória feita de abuso do poder. De pretensão e inconseqüência. A cena pré-fuzilamento estampa positivamente as interrogações em que o filme se envereda até então. Destaque para a atuação rica dos três homens que estão com a cabeça a prêmio, por assim dizer, é de dar dó e indica que a corte de julgamento e todo o sistema que é a mancha pra bandeira da França.

Apesar de triste, a questão religiosa e reflexões sobre a morte entram nesse jogo sujo de poderes, mas a verdade sempre ficará guardada no olhar finalizador e enigmático de Dex através de um vidro observando uma mulher deixando os homens do exército com lágrimas nos olhos. Glória?

* O livro em que o roteiro foi baseado ainda não tinha um título. O poema de Thomas Gray [1716-1771] que dialogava com imagens da guerra e da glória foi sugerido por uma competição mantida pelo editor e ganhou. Em tradução "livre" para o português, por Marquesa D'Alorna [conhecida como a poeta "Alcipe" 1750-1839]:

Vanglória de alta estirpe protectora,
Tudo quanto a beleza e bens nos deva,
Da morte espera a inevitável hora:
Da glória a estrada à sepultura leva.

Note que infelizmente alguns jogos de palavras foram perdidos. "The pomp of pow'r" Power = poder. / Pow = P.O.W = Prisioner of War = Prisioneiro de Guerra.

Acordo Entre... Cavalheiros

2010-01-03T00:20:00.013-02:00

“Kazan fez o realismo avançar no cinema americano, elaborando um espetáculo capaz de gerar perplexidade até hoje.”
Rodrigo Fonseca

Primeiro post. Terminei o ano com um filme emocionante. Então... vamos começar o outro com um também. É um típico clássico americano daqueles que hoje em dia não é difícil encontrar por ai... tanto pelo preço, tanto pela edição. Ponto positivo pra Fox Collection. E ponto positivo pra uma outra certa coleção... bom, isso é assunto para depois... se eu conseguir concluir direitinho meus posts de janeiro. Segredo.

A Luz é Para Todos, filme vencedor de três Oscar em 1947, traz o galã Gregory Peck como Philip Schuyler Green, um jornalista jovem e viúvo que acaba de se mudar para Nova York com seu filho pequeno e que precisa de uma idéia para escrever uma série sobre Antissemitismo, o ódio aos judeus. Rodado no pós-guerra, a adaptação do livro de Laura Z. Hobson dirigida por Elia Kazan trás a solução disso em uma frase simples: “o que posso dizer que já não tenha sido dito antes?”. Como afastar-se de apenas dados, fatos e porcentagens que provavelmente ninguém irá ler? Sem a característica formalidade teatral de alguns longas em preto e branco e com bons closes, Peck conduz Green em uma jornada marcante e intuitiva quando decide se intitular um judeu e ir direto às emoções. Em vez de perguntar para um como se sente, ele passa a ser um.

O fato da versão do título para Portugal e Brasil ter um toque especial de emotividade é considerável. São poucos, pra não dizer quase nulos, os longas que trazem um título não tão certinhos ou diferentes do original e que sejam bons. O termo gentlemen’s agreement, acordo de cavalheiros, refere-se a uma espécie de acordo mútuo e informal sobre essa restrição implícita de algumas pessoas em determinadas áreas. Importante perceber que, no entanto, o título não coloca cavalheiros no plural, conserva-se como Gentleman’s Agreement. Seria uma referência ao inverso? Ao protagonista e a natureza de seu ato? Ou talvez apenas uma idéia minha, talvez... Essa segregação social é mostrada exaustivamente no filme e tem seu ápice quando Green não consegue passar pela recepção do hotel que até mesmo já tivera lhe concedido reserva mas não sabia que se tratava de um judeu.

Os ângulos começam a aparecer de todos os lados como numa progressão geométrica espantosa. São os judeus vistos pelos ricos. Os judeus vistos pelos agnósticos. Os judeus vistos por eles mesmos. Afinal, o que é ser judeu? É participar de uma religião que erroneamente carregou o fardo de ser indicada como aquela responsável pela “morte” de Jesus Cristo? É classificar-se em uma etnia?

Às vezes a própria idéia de odiar o preconceito acaba criando discussões profundas e até apontando caminhos para o que seria se houvesse de fato ele. Posicionar-se é um risco constante e os equívocos por parte de ambos podem surgir. Além disso, na parte final batem na mesma tecla: não adianta você se sentir nauseado com as injustiças causadas e se calar. “Se você não parar com as piadas, onde paramos? Qual é o limite?” Falar ou abster-se? No filme, mesmo que não seja possível ser o herói do mundo de um dia para outro, calando-se você vai ser apenas mais um dos que contribuem indiretamente para a mesmice. Isso é o correto? Todos têm direitos iguais, direitos às mesmas coisas, à mesma luz.

Essa série de reflexões encontram uma boa dose de drama na relação comovente entre pai e filho. O amigo de infância judeu de Green diz uma coisa importante, algo como “É ai que você começa a entender. Você se acostuma quando as coisas são pra você, mas dói quando esbarra em seus filhos."

Todos os personagens designam um propósito nítido dentro da trama. O par romântico do protagonista é uma mulher elegante que deseja ser mais que uma “mulher” [já que a Segunda Guerra Mundial pegou bem o vácuo entre as duas primeiras ondas do feminismo] embora pareça cair em contradições nas omissões meio involuntárias por que passa... o choque de idéias e confusões com o seu amado personifica quase um outro papel dentro do roteiro. Menções a isso e ironia por parte das próprias são gritantes. “Cuidado, essas mulheres vão começar a pensar”. Aplausos para Celeste Holm que faz uma amiga editora de moda e também capaz de balançar as opiniões de Green por Dorothy.

Muitos atores viveram dias difíceis nessa tarefa de se juntar ao elenco do filme. Gregory Peck foi um dos que não hesitaram. Por outro lado, vários tiveram anos de ostracismo por -- a exemplo -- não se apresentarem para testemunhar em um comitê sobre -- numa tradução livre -- "atos não-americanos".

A promessa de que haja um mundo em que as crianças não sejam chutadas na boca em plena rua por serem judias e pais de família não sejam insultados gratuitamente e impedidos de pegarem um trabalho para sustentar sua família fica por conta da voz de Anne Revere que interpreta gentilmente a mãe incentivadora de Green com um ar cativante desde o início. “Ainda vou viver para ver esse dia”. Palavras que provocam uma sensação de estupor àquele expectador que não vive ou nunca viveu naquela década. Eterno por ser visionário. Impressionante por continuar atual.

Sam

2009-12-31T01:53:00.016-02:00

"Como podemos ser tão diferentes e nos sentirmos tão iguais ao mesmo tempo?"

O mês e o ano terminando em questões de algumas horas e eu com um filme que por máximo que eu tente descrever como eu sinto, não consigo. Ideal pra um último post? O último de 2009? A reação de quando assisti pela primeira vez foi praticamente a mesma, mas intensificada um pouquinho. Me faz lembrar de bastante coisa.

O versão do título traduzido parece insosso, mas é honesto porque de fato é o que ele é. No Brasil seria bem diferente se o preservassem como Sou Sam, ou, Me Chamo Sam. Mesmo a primeira opção soando bem até não é algo fácil de passar pelas distribuidoras sem sofrer alguma alteração. Uma Lição de Amor, lançado no finalzinho de Dezembro de 2001, é dirigido por Jessie Nelson e rendeu uma nomeação ao Oscar a Sean Penn por Melhor Ator. Sam é abandonado pela mãe de sua filha logo após o parto e dá todo seu amor e sua dedicação pra criar o bebê por conta própria. Mas a questão é o desafio disso perante a sociedade devido ao retardo mental dele. Não demora até que os órgãos do Estado se atentem ao fato depois da denúncia de um incidente injusto e entrem na jogada para separar os protagonistas. Lembrou qual estória é?

Um filme simples desde o início. Encanta. Qualquer um se deixa levar pela fluidez. A mistura das interpretações com a fotografia azul-clara/verde-água e o tom descontraído e inocente dos personagens se misturam com a profundidade dramática espontânea que surge nos momentos menos esperados. São diversas cenas dignas de serem memorizadas para sempre, desde quando Sam pára pra perceber atentamente o tamanho da mãozinha de sua filha recém-nascida até quando ele assusta com o grito da mãe, Rebecca, em pleno parto. O personagem de Penn é gentil, atencioso, muito educado, muito preocupado com todos, especial.

As menções aos Beatles são diversas. John Lennon aparece em um pôster atrás da porta da casa de Sam, nas palavras ditas por ele e nos discos presenteados a filha. Sean Penn queria ter as gravações originais dos Beatles [na época nas mãos de Michael Jackson] na trilha sonora, mas como os direitos por utilização seriam os mais caros já pagos na história do cinema optou especialmente por incumbir alguns artistas e conhecidos pra fazer os covers.

Filmes como O Mágico de Oz e Kramer vs. Kramer aparecem como uma homenagem ilustrando o roteiro. Lucy in the sky with diamonds... Lucy, o nome que decide colocar na filha. Lucy, Dakota Fanning. [Observação: Lucy aos três anos brincando com o pai na sucessão breve de cenas onde mostra seu crescimento é interpretada por Elle Fanning, a irmã mais nova de Dakota.]

Os amigos também semelhantes a Sam entram em sintonia com tudo. São espertos, confusos, mas amáveis, e ricos em metáforas... mesmo trocando os assuntos de vez em quando. “Rebecca’s gone... Gone... With The Wind, dirigido por Victor Flemming, 1939... um filme triste...”.

Não são só os diálogos espertos e que atiram bem no centro de onde tem que se ir que fazem o longa ter a força que tem, são os rostos e as reações, as encruzilhadas de destino e aquele choque de situações. Michelle Pfeiffer no papel da advogada encarregada de defender a guarda de Lucy por Sam leva uma senhora bagagem emocional que explode numa atuação conjunta com Penn. Mas pelo caminho você encontra muitas assim.

“Por que você é assim? Foi Deus que quis ou foi um acidente?”
“Assim como?”
“Diferente.”
“Eu... Uhh... Me... desculpe, Lucy.”

Até o papel de Laura Dern que é um tanto ingrato, já que faz a mãe adotiva que literalmente se responsabiliza pelo abraço partido cortante entre pai e filha, se transforma em compreensível no final. Mesmo que você ainda sinta um nó na garganta, passa pelos créditos finais aliviado.

A trilha sonora:
1. "Two of Us" – Aimee Mann and Michael Penn – 3:30
2. "Blackbird" – Sarah McLachlan – 2:21
3. "Across the Universe" – Rufus Wainwright – 4:08
4. "I'm Looking Through You" – The Wallflowers – 2:39
5. "You've Got to Hide Your Love Away" – Eddie Vedder – 2:09
6. "Strawberry Fields Forever" – Ben Harper – 4:26
7. "Mother Nature's Son" – Sheryl Crow – 2:42
8. "Golden Slumbers" – Ben Folds – 1:41
9. "I'm Only Sleeping" – The Vines – 3:05
10. "Don't Let Me Down" – Stereophonics – 4:08
11. "Lucy in the Sky with Diamonds" – The Black Crowes – 3:50
12. "Julia" – Chocolate Genius – 4:34
13. "We Can Work It Out" – Heather Nova – 2:15
14. "Help!" – Howie Day – 3:33
15. "Nowhere Man" – Paul Westerberg – 3:29
16. "Revolution" – Grandaddy – 3:02
17. "Let It Be" – Nick Cave – 3:3

Um filme especial pra mim. Tem um significado. Me sinto um bôbo quando vejo. Feliz Ano Novo, o blog retorna em janeiro!

Natal, Cinema e Presentes

2009-12-24T23:21:00.012-02:00

Post à Vista

Hey! Depois de dias sem atualizar ou mesmo não dizer nada pensei "preciso fazer isso pelo menos no Natal". Falta de educação minha eu não postar nada até o ano novo pros amigos daqui que foram tão legais comigo no ano todo. Desde aqueles do tempo que eu montei o blog e ainda, felizmente, mantenho contato como os mais novos, considero muito. Claro, os que viraram seguidores e ainda não pude agradecer também contam. Cada um. Cada um que sempre tinha uma palavra amiga [o principal] e sempre me surpreendeu nos comentários. Feliz Natal pra vocês! Que fiquem nessa data ao lado da família e também ao lado de uma pessoa querida, com festa e ceia [boca livre] e ah, e quem sabe um filminho também não?

O post é meio curto e imprevisto, ou pelo menos eu acho que vai ser. Deve ter notado o template novo também? Ainda estou a procura de um. Achei esse bom e deixei por enquanto. A fonte parece um pouco pequena mas o design é bonito. Enfim, voltando pro post em si, não consigo deixar de falar em alguma sessão cinema. Esse ai por exemplo, o primeiro de Natal que revi por esses dias. Cai bem assistir na madrugada quando todos ou quase todos já foram dormir.

O Milagre na Rua 34 é um longa de 1947 todinho em preto e branco dirigido por George Seaton que já foi adaptado novamente em diversos formatos incluindo um livro [publicado pouco tempo depois do longa pelo próprio roteirista] e uma peça na Broadway com o nome Here's Love... e... que eu encontrei faz um belo tempo em DVD com a capa igual ao poster ai ao lado.

A clássica história de uma garotinha que não acredita em nada do Natal e vê na figura de um velhinho que se intitula realmente o próprio Nicolau a esperança para conseguir o que mais deseja: uma casa e uma família. Natalie Wood faz essa garotinha que apesar de falar bastante e saber das questões adultas de um jeito impressionante não é chata ou irritante [eu acho] como a personagem no remake de 1994. Dá pra perceber pela expressão e o rostinho de criança. Mais engraçado ainda você notar que aquela pequena atriz ia ser lembrada por Amor Sublime Amor [West Side Story] de 1961. Maria Maria! Se assistir ou já assistiu, fique atento na parte em que ela convida o pretendente da mãe para um jantar. Logo depois dá aquele risinho e pergunta se fez certo.

Ao lado do núcleo adulto principal, Maureen O'Hara [que quase recusou o papel antes de ler o script] e John Payne, os personagens secundários, como o faxineiro que gosta de presentear as crianças e também ser o Papai Noel por pura vontade, são igualmente memoráveis e têm um desenvolvimento correto.

É um filme antigo e infantil, mas gostoso de assistir até. Não fique preso aos comportamentos, como o da mãe [que muda de opinião sobre o velhinho de uma hora para outra] ou o juiz do tribunal, pois eles são ideais pra que a estória tenha um fechamento. E apenas isso. É um conto sobre coisas simples, nada mais, mas coisas... um tanto importantes.

Por último o selo entregue pelo amigo Douglas do O Cronista. Presente! Obrigado! Sempre bem-vindo! A sua presença aqui também. Fazia tempo que não ganhava selos e tirei os que existia no blog, continuam só nas postagens, assim como as regras... meio diferente a forma que eu coloquei esse. As regras, por exemplo, hehe. Minha intenção era deixá-lo aqui porque muitos já o receberam ou não costumam colocar selos nos blogs, então... indicar é um tanto complicado. Indico para aqueles que sempre trocam alguma idéia comigo por aqui, pode???

Excelente Natal! E um filminho também. E não libere o Grinch que existe em você!

Zhou Yu

2009-12-13T01:07:00.019-02:00

Entre Um Trem e Dois Amores

"I know my lake is artificial, but at least it's full of water!"

Mais um dos filmes de Dezembro que vale um lugarzinho por aqui. Outro de produção estrangeira e que tive que ficar refém das legendas, acreditando de cabeça baixa nelas.

O Trem de Zhou Yu, de 2002, é um longa chinês do diretor/escritor Zhou San que marca a volta de Gong Li [de Adeus Minha Concubina] ao cinema no papel de uma artesã que trabalha com pinturas em porcelana. Duas vezes por semana ela pega o trem e vai até Chongyang para se encontrar com um poeta, sua paixão. Mas ele é sério, mantido, orgulhoso ao fundo. Seus poemas a retratam como sua musa e o amor entre eles como um certo lago que ela nunca consegue encontrar. É nesse caminho que conhece um outro homem, no trem, um veterinário descontraido que passa a ver com outros olhos. A medida que Zhou corre atrás para que os poemas de seu namorado possam ser publicados, o médico se intromete e começa a notar que talvez haja uma reciprocidade na moça.

Tive a impressão de que sai de um lugar desconhecido sem saber, se cheguei em outro. Mas ainda assim acho um filme bom. Na minha honesta opinião não é nenhuma obra-prima. Mediano, mas que vale ser conferido num momento traqüilo sem muitas expectativas. Muitos o enxergam como sendo pura pretenção do diretor em querer parecer inteligente. De fato, mas "querendo" ou não tem um significado ali. A poesia é um componente importante nele, talvez esconda sua razão de existir nela. Embora não funcione em algumas partes, não é algo forçado. Só é... diferente.

A linha convencional cronológica não existe. Mas isso tende a se juntar, o passado ao presente, ligando alguns pontos e fazendo sentido, mas não sempre. Não é algo ruim... há pontos melhores. A assimetria aparece nas horas em que a personagem vive seu passado por uma narradora desconhecida. Detalhe, essa narradora com outros trejeitos é a própria Gong Li, em um papel duplo, de cabelos curtos. A tirar pelo rosto, ela é quase irreconhecível. Perceba as roupas, são bem diferentes dos básicos vestidos claros e femininos acompanhados de uma blusinha aberta por cima... A pose de braços cruzados também e o charme do politicamente não-correto cigarro de outrora estão meio ausentes. Me diz: não são bem diferentes? Minha teima só foi se confirmar quando li a ficha técnica do filme.

O essencial: a natureza é presente quase o longa inteiro, são aqueles campos verdes e folhagens sobrepostas com madeira bem do clima do nordeste rural chinês. As casas, as pontes, os lagos cercados por neblina, o próprio trem, são todos assim, entende? Bem visual. Um ponto positivo pro filme já que se você se perder ou até mesmo não ver nenhum outro destaque, o cenário vai estar lá o tempo todo. Claro, e os ângulos captados que também ajudam a conceber aquela sensação... no trem em movimento, nas corridas para alcançá-lo em câmera lenta, nos closes dos olhares vagos e meigos de Gong ou nas cenas mais românticas com a trilha sonora ao fundo.

Por curiosidade o disco traz a classificação indicativa de 16 anos. Motivo: relação sexual. Motivo "meu" pra citar isso aqui: é quase nulo o que aparece. Consta, ainda, que causou alvoroço na China por conta disso. Fico sem palavras. Engraçado que nos filmes que precisam ter uma faixa etária maior nada acontece. Os poucos momentos qualquer um diria serem parte de algum videoclipe. Tem movimentação, cortes que fazem sentido... são quase como pinturas que se mexem, todas tratadas cuidadosamente. Ou quem sabe um contraste com os próprios desenhos nas porcelanas, repare no cabelo de Zhou Yu ao vento.

Se o "romance" em si nisso tudo funciona, ah, ai já é bem outro departamento. Talvez exemplos da diferença entre o físico e o amoroso, ou uma ilustração do encanto e do desencanto. É até estranho porque não dá pra perceber nenhuma paixão ou quem sabe até mesmo química entre o namorado "antigo", o poeta, Tony Leung Ka Fai, e Zhou Yu. É mais fácil encontrar alguma simpatia no personagem de Sun Honglei, o médico, e tentar desvendar os prismas em que a mulher é vista por estes dois.

O final é trágico e um tanto repentino. Opa, spoilers não a vista, fique tranqüilo, caro leitor. São mais cenas em slow motion com papéis voando naquele tom de um azul frio. Mas bem trágico. Entenda como quiser, haha.

"I finally understand that a lover is a mirror, through which you can see yourself more clearly."

Heróis e Imagens

2009-12-11T06:11:00.020-02:00

"Há duas possibilidades quando você conhece seus heróis: ou eles são uns idiotas... ou eles são como você."

O dia clareia e você ainda está lá preso a um filme, talvez até sem ter pausado um único momento. Ele termina e você vai beber uma água, lavar o rosto e quem sabe dormir. Mas e quando aquilo que assistiu fica martelando na sua cabeça? Claro que cada título tem um impacto diferente em cada pessoa, e por isso fazer um blog às vezes é meio complicado. Há estilos, opiniões, jeitos. Nada é certo. Mas dá pra tentar algo.

O que faz de Heróis Imaginários um ótimo filme? Sigourney Weaver num papel carismático e dramático, segurando as pontas... enlouquecendo... e te conquistando ao mesmo tempo? Uma "figura", lembra bastante alguns papéis de Susan Sarandon. Ou Emile Hirsch em seu sétimo longa [depois de Um Show de Vizinha] como o gancho singelo e misterioso da trama? Ainda tem o próprio roteiro inteligente que enriquece com a participação mantida mas brilhante de Jeff Daniels.

Bom, seja envolto em carregados traumas, seja fumando escondido do marido ou dormindo no banco da praça em vez de ir ao trabalho, a estória dirigida pelo até então estreiante Dan Harris discute as aparências e as imagens dos seres humanos dentro de uma família -- mesmo que você ache que não se encaixa nela ou sentindo que há definitivamente algo errado.

Sandy e Ben estão devastados interiormente com o suicídio do filho-modelo mais velho, um atleta que era a paixão do pai mas que detestava sua rotina. Um herói imaginário, nas palavras de Sigourney, pois não era um herói pra ele mesmo. A tomada silenciosa e sem muitas explicações ao pé da escada e na porta da cozinha é memorável. O sangue como pegadas deixadas pelo irmão mais novo, Hirsch, ainda mais. Porque não mencionar igualmente a reação de Weaver? Mãe e filho que passam a se relacionar de uma maneira estranhamente boa, incomum, descompromissada, mas com respeito. O que esperar de dois atores como estes? É um tempo curto entre os dois, mas já mostra um pouco do rumo do filme.

Cada um tenta lidar de sua forma desde então. Um mundo de sensações. Uns silenciosamente. Outros evitando pensamentos. É quase um diálogo mudo entre o elenco consigo mesmo pra tentar digerir o que houve e o que ainda há de vir. Mas nada daquela coisa lenta e chata. Longe disso. Michelle Williams aparece como a irmã que só dá as caras em casa nos Natais ou nos funerais. Tim, o irmão, tenta seguir sua vida no colégio com os problemas que todo adolescente tem e provido de uma carga ainda maior que mistura culpas, memórias, vontades e omissões. Seu amigo é um ponto-chave nisso e garante boas surpresas na segunda metade do filme. Eu diria surpresas a la Y Tu Mama También. Mas não apenas, não apenas.

Quando parece que acabou, tem mais: Jeff Daniels cresce numa cena de catarse que me lembrou muito o abraço entre Matt Damon e Robin Williams em Gênio Indomável. Um gesto à força mas verdadeiro e pesado. Parece que o tempo pára. Tudo graças ao grande segredo da matriarca dos Travis que chega em uma hora corrida. Falando em segredo, Tim também chega ao seu e a cena das pegadas é retomada num lance oportuno.

Sem climas pesados por todo o caminho mas com um ambiente convincente, às vezes parece tudo uma grande antítese irônica... motivo pelo qual a crítica pegou pesado. O trágico encontra o engraçado e pela leveza surge profundidade. Você ri das coisas simples. Ou não tão simples assim. Decida: atravessar o jardim pela noite segurando a bolça e um cigarro de maconha e ver o próprio marido dormindo dentro do carro com o rádio ligado é desviar do roteiro? Ser abordada por um rapaz que podia ser seu filho perguntando se podia dar seu telefone e ter que ligar para ele da delegacia na falta de um marido presente pode tornar o filme "sem identidade própria"? Tudo bem que muitos ainda o relacionam ao "Gente Como a Gente" de 1980, mas nada disso é suficiente para classificá-lo como ruim, pelo contrário. Heróis Imaginários é completo em todos os níveis.

Soldaat

2009-12-02T01:35:00.014-02:00

Para Um Soldado Perdido

O que é mais importante: o preço, o formato de uma edição ou algo desconhecido pra ser explorado? Imagine um lançamento caro e uma edição estranha, mas cara também. O lançamento caro você pode deixar para comprar depois afinal não vai sair de catálogo tão cedo e ainda corre a chance de abaixar de preço. Mas o dvd estranho nunca se sabe.

Para Um Soldato Perdido, de 1992, dirigido por Roeland Kerbosch é um disco lançado no Brasil sob a coleção "CULTCLASSIC". Nunca o vi em nenhuma loja, mas a capa foi o bastante para me fazer parar e lê-lo na internet. Não há extras ou nenhum outro chamativo interior que o possa colocar além de mediano ou bom, mas a sinopse é bem curiosa. Assisti e resolvi postar algumas notas.

Voor Een Verloren Soldaat, no original, é um filme difícil de se classificar. Baseado apartir do romance autobiográfico escrito em 1986 por Rudi van Dantzig, coreógrafo e dançarino holandês, o longa propõe algo um tanto incomum: uma estranha relação entre um garoto de doze anos com um soldado canadense já em torno de seus vinte durante a ocupação nazista da Holanda na Segunda Guerra Mundial. Arriscado para os conservadores ou totalmente indigesto para os que não perceberem que o importante é o ponto de vista do menor, a trama idílica exposta por uma hora e meia não valerá muita coisa.

Fato é que o enredo central mesmo só começa propriamente decorridos 1/3 de história. O longo tempo em que não se explicam tão bem os personagens ao redor do garoto, Jeroen, é usado para mostrar a fuga das crianças da região de guerra para uma localidade campestre afastada da cidade, onde serão suas novas casas temporárias. É sim necessário focar a nova família, que por sinal trata bem do menino, principalmente o pai. O ensino da religião é um dos pilares que sustentam o cenário. Mas a atenção condensada só naquilo e nas aventuras em torno de um avião abatido ao mar por muito tempo provoca uma sensação de "o quê é que o filme quer mesmo mostrar?" Mas o problema nem chega a ser isso. As partes em que o protagonista aparece adulto relembrando o que viveu como artifício para alavancar uma coreografia de sua equipe não convence. Não é razão suficiente -- pelo menos para o filme. Não acrescenta quase nada e não é desenvolvido. É um plano de fundo um pouco sem sal, até mesmo para o final.

Por outro lado, a trilha sonora [por Joop Stokkermans] que tem um certo bom gosto e clima característico não é desprezada em momento algum no meio dos tons escuros e azulados. Talvez seja usada exaustivamente desde os créditos iniciais, mas nada que prejudique o andamento. É sentimental ao ponto certo e traz um classicismo "campestre" que qualquer expectador percebe de cara.

Os "heróis" de guerra chegam quando a batalha pela desocupação acaba. A vida do menino passa a mudar e a descoberta de sua sexualidade atinge o clímax ao conhecer Walt, o soldado. Até que ponto uma relação como essa pode ser usada em um filme? Até que ponto as pessoas se impressionariam? Ele é simpático, charmoso, ensina o garoto a dirigir, passa o tempo tentando se entender já que o idioma dos dois não é o mesmo... Enfim, não dá pra julgá-lo ou pensar coisas erradas dele, não é o tipo de cara que possa parecer mal caráter nem nas cenas em que se mostra sozinho. A amizade é captada nos 2/3 e aquilo se intensifica exponencialmente na reta final. Mas nas tomadas não há nada de gravemente explícito, apenas alguns "choques".

Tirando por uma fala repentina de Walt que pode se deixar passar sem sentido, "Eles sabem?", e após uma redação seu professor dizer: "Nunca se esquecerá daquele jovem?", não sei dizer se por problemas de legenda muita coisa fica sem ser explicada e não há questionamento algum por parte de outros... Coleteralmente não conseguimos saber se os pais por sua vez tomam conhecimento que além da proximidade entre os dois existe algo sexual ou não.

Não é um filme com intenções pornográficas ou muito menos "criminoso" para os leigos embora esbarre em um tema contundente. A maioria das reviews dispostas por ai o apontam como "tocante" ou ótimo. Na verdade os personagens deveriam ter sido mais usados na medida do possível. Há falhas, claro. Às vezes só é possível sentir o carinho do rapaz pelo menino, não o inverso. O melhor para se tirar alguma conclusão não é por sinopse ou imagens, mas assistindo. Nem que for pra conferir o final dramático e até compensador das lembranças de Jeroen.

Garoto Interrompido

2009-11-17T15:13:00.008-02:00

"...the result of watching will be a renewed appreciation of our ability to enjoy life."
The Wall Street Journal

Agradecimento antes claro ao amigo Breno do It Sounds Like Cinema que deixou sua dica lá e o curioso aqui foi seguir. Demorou um pouco, mas segui. Bom para os dias vazios. Excelente pra assistir com atenção. Valeu!

O limite entre a sanidade mental e as peculiaridades do comportamento humano é um exemplo perfeito daquela linha que existe entre as definições e principalmente entre os preconceitos. É meio ríspido. É cruel quando se reflete. Engraçado falar sobre saúde mental nesse blog, mas ironias à parte... muitos filmes e mídias já tocaram nesse assunto, ou pelo menos tentaram. E o caso vai desde novela [Bruno Gagliasso] até o exemplo de Uma Lição de Amor [I Am Sam, 2001]. Já assistiu ao Uma Mente Brilhante [A Beautiful Mind, 2001]? Mas calma. E quando o problema não é nenhuma deficiência aparente ou esquizofrenia? Quando não se trata quase de nada do que falei? Ele é invisível. Se camufla. Parece que chega aos poucos mas sempre esteve lá. Ou o mais importante, e se isso deixa de ser ficção?

Um filme é só um filme. Ele se lança ao impossível, sofre movimentações e é manobrado como queiram. Tem drama? É evidente que sim. Mas não é real por máximo que ele mexa com você.

Boy Interrupted é um documentário da HBO de 2008 e exibido no Sundance Festival Film 2009 que tem como carro-chefe o suicídio de Evan, um garoto de 15 anos que sofria de transtorno bipolar depressivo. O registro todo foi feito por seus próprios pais, cineastas, depois da tragédia. A sensação de acompanhar isso, um caso real, é que deixa qualquer um pensativo e calado em frente a tela. Aquilo aconteceu. O garoto aparece em videos caseiros. Conversa. Grava sua família pela câmera. Ri. Se cala. Interroga. Fala como se sente às vezes. E de repente ele já não está lá.

Os noventa minutos dentro daquela esfera de realismo banhada por uma trilha sonora tocante te leva não apenas a sentir os impactos sobre aqueles que o amavam, mas serve de denúncia para os casos semelhantes. A mãe consegue expor claramente seus pensamentos diante dos depoimentos no tempo real. Interessante como ela sendo a diretora "comanda" e deixa se levar pela memória que surge nas entrevistas. Tinha sido ela a responsável por fazer seu filho tão infeliz que ele não queria mais estar lá? Ou do momento em que o menino colocou o pé na janela para pular já sabia que sua doença era mais forte que não poderia vencê-la? O pai por sua vez via a história de seu irmão se repetir.

De qualquer forma o comportamento de Evan Perry sempre foi diferente. Ele tinha uma sensibilidade e maturidade que estava muito além de sua idade. Em situações que as pessoas veriam como insignificante, ele via de um jeito realmente enorme. A maneira de expressar toda essa avalanche de sentimentos foi certamente canalizado na veia artística da família. Com seu violão sentado no tapete da sala de estar compunha canções que lembravam muito as letras de Kurt Cobain. As peças teatrais escritas por ele mesmo no colégio eram uma fuga para sentir como seria o resultado de suas ações -- morrer por exemplo --, a arte imitando a vida e vice-versa, um jogo. Todos notavam o quanto de negatividade existia, e uma negatividade gradativamente expoente, mas cercada de poesia implícita.

Essas alternâncias bruscas de comportamento o seguiam desde bebê... das palavras que começava a dizer e do vazio que alguns sentiam em seu olhar. O exuberante jovem loiro que explodia em movimentos e idéias agora olhava vagamente para o precipício. Conforme isso aumentava, as crises e a curiosidade mórbida pela morte e pelo suicídio alarmavam mais ainda a todos. As tentativas surgiam.

Pelo fim, a carta de despedida deixada pelo garoto estrategicamente em seu notebook é colocada na íntegra ao público. A tela em preto com o texto passando é algo pesado e forte. Suas razões, sua perspectiva e seus recados para os que ficaram estão todos lá organizados. Apesar de dizer que nunca teve amigos, algo que me marcou é o depoimento de um desses amigos emocionado dizendo que não acreditava nisso, que sabia que ele não queria dizer isso de verdade.

Propostas e Subornos

2009-11-06T13:10:00.010-02:00

A Proposta

Alguns amigos ainda pensam que só gosto de assistir aos filmes de drama ou suspense... Ou que tenho preferência quase que irrevogável por estes. Erraram. Não tenho absolutamento nenhuma objeção quantos às comédias e aos romances, pelo contrário. Adoro. Não tem coisa melhor do que se propor a alguma história descontraida quando você não está tão disposto pra ficar parado durante duas horas ou mais vendo algo sério, ou precisando de um pouco menos de stress. Talvez, confesso, a escolha de um DVD desse gênero entre os demais em uma locadora tem sido um pouco apurada... mas me diga: ultimamente quais gêneros que não têm? Se for uma comédia com atores que evidentemente nasceram também pra isso, num longa -- não precisa nem ser tão original mas -- que tenha inteligência... porque não? Com romance? Sim, daqueles de comédia romântica que com o passar do tempo ficam reprisando pela televisão? Melhor ainda.

A Proposta foi um filme que, como diz no verso da capa, foi capaz de me fazer rir bastante desde o começo. Não é de se estranhar que resolvi pegar esse em especial pra um post. Observação: talvez por eu gostar bastante de atrizes como a Sandra Bullock, Drew Barrymore e outras para comédia posso não ser tão imparcial, mas enfim... Discordo dos que acharam o filme ruim ou mediano. É claro que ele é de um determinado jeito, quando você se propões a assistir já está aceitando implicitamente a esfera dele.

Há bom gosto no longa, não é apelativo. Sandra Bullock aparece perfeita como sempre no papel de uma poderosa editora de livros [Margaret] que se vê entrando numa crise inesperada ao saber que está prestes a ser deportada para o país-natal, o Canadá. Apesar de ser um tanto abusiva e tecnicamente não se importar com nenhum ser humano que cruze seu caminho dizendo um Bom Dia, Bullock cativa o público conseguindo equilibrar esse choque de temperamentos quando precisa da ajuda de seu assistente para uma das maiores farsas de sua vida. A proposta aturdida de casamento como solução para os problemas chega inesperadamente e Ryan Reynolds [Andrew], segura o momento de forma exemplar, entrando em total sincronia com seu par.

As coisas podiam parar por ai. Mas claro que não é bem assim. Além do diálogo engraçado [coisas como "eu te deixo arranjar outro emprego antes e depois você conta que pediu demissão" e "prefere virar as costas e sair ou ser gravado pelo celular sendo escoltado do prédio e ter o video naquele site... como chama? Youtube?"] Andrew vê a oportunidade de dar o troco através de pequenas humilhações depois de passar anos sendo perseguido pela chefe. O acordo de ser promovido é apenas uma pequena condição. Afinal, o que ele tem a perder se tudo ir por água a baixo? Só ir preso?

É um filme previsivo quando você mentalmente vai discutindo qual o rumo da trama. Óbvio. O envolvimento dos protagonistas vai aumentando e até lá, entre risos e situações embaraçosas, ambos acabam percebendo tanto quanto você pra onde estão indo. Isso representa algum problema? Se depois de ver a Sandra Bullock cantando hip-hop no meio de uma floresta, oferecendo um cachorro pra uma águia em troca de seu celular que está pelos ares no bico dela, colidindo de encontro com o seu noivo [ambos nus] e caindo no chão..., você responder "sim"... Então... amigo, seu problema pra escolher uma comédia certa é maior que o meu.

Entre Beatles e Contos

2009-11-06T04:37:00.015-02:00

Algo involuntário ressurgia na minha mente uns dias atrás. Pairava recorrente e calado. O tempo voava, ou por vezes se arrastava indiferente, mas nada era suficiente pra tirar esse eco silencioso. Não estava ouvindo vozes nem nada do gênero. Ainda. Creio eu. Era algo mais parecido com uma canção. Ver em apenas um dia cinco rapazes em horas distintas trajando uma categórica camiseta The Beatles preta pode ser bem curioso... É, talvez isso tenha desencadeado a estranha sensação. Não, o que flutuava na minha mente não era decerto Here Comes The Sun... parecia-se mais com Here Comes November...

Enfim, resolvi fazer outro post um pouco diferente colocando uma espécie de conto ou sabe-se lá o quê que escrevi sem nenhum intuito há uns tempos atrás. Tentei passar pro português mas a emenda saiu pior que o soneto. Incluo ele, claro, no marcador Rabiscos, alí ao lado. E por favor, desconte qualquer dos erros diversos pelo caminho porque o dono do blog não é nenhum fluente, mas tenta o que pode, não é?

[PS. Acima de tudo não espere muita coesão ou algo do tipo. Há trechos estranhos, eu sei. Pra que sempre essa necessidade de ser coerente? Siga em frente. Se quiser considerar o que eu disse a respeito dos Beatles como o post então tá valendo, hehe, foi verídico.]

Untitled

I felt the surface. That was stone and I was heart. On my own grave I looked impartially at the world with eyes whose man doesn't even care about to stay on it or to leave... going to somewhere else. From the imperfection of the emptiness I found out my ruin. From the whispering silence of the trees around me, I saw that I couldn't quit my torture. What else would be waiting for me? Would be something indeed, more than what my troubled mind could crave for?

Immersed on the inert despair that touched my skin, I felt I needed to walk away without looking behind. To have self-control, without doubt, was never one of my bold virtues, but it would help to think that from the past I hadn't carried anything, at least not physically.

I came from the sharpest endings and thought to the sharpest endings I would return. So foreseeable as it must be, as it has to be. The called eternity is nothing. Just nothing. It is commented, mystified, wished and all... but when you throw yourself into this reality, you see that it represents not even a bit of what they think about. It is you against yourself, and it hurts.

Besides, words lacerated my heart. The voice was so near me that I could sense the warmth of the syllables reaching my ears. The words were wrenched from each other into that surrounding wind and, however much they were totally non-sense, I could discern them. All of them.

Come along little boy, don't refuse to step forward and forth to your own life, let it be the way it has to.

A real scream cut that, making me stare at the bridge aside me.

All I ask of you is that you let me to be with you, share some of your moments, to know that you know I'm there. It's wonderful to see your face each day, see you smiling, see you laughing... you're just the prettiest thing in the whole world and it turns better when I know I can be at your side. I wish it will never disappear.

Another scream followed by a rough windstorm turned my sight towards the leafs at the ground and I found it weird. That wasn't the kind of ground I was habituated to see and the vivid scent of the air spread along that curb was for sure inebriant. The scream got louder and suddenly vanished. A last voice inside me came out.

If we'll do it, we gotta go.

It was raining that day, we were sopping wet... and the memories of that hand abreast of my cheeks while I flew within reveries made me twitch. A tear drop fell.

Music is life, life is poetry, poetry is breathing, breathing is love. That's what I used to call one of the greatest combination in the world. It's not that I do not think this way anymore, sure I do. As a matter of fact, I am thinking right now and this is the reason which I decided to put in words a couple of my real thoughts. Of course, a couple.

When you live the moment, and not just roll over it, you can bet it will be kept on your mind forever. It does not necessarily must be true as long as you feel it is somehow. The point is: you don't have to be afraid of writing, of facing people in front of you, of facing freedom and most of all of facing the deathless silent. And that's what this is all about.

Paulo R. Alt.

uma noiva e três pais

2009-10-31T02:34:00.018-02:00

Conseguir reunir um repertório de uma determinada banda ou cantor e jogar isso em forma de um musical é uma idéia "jóia". Além de fazer sucesso, se for algo realmente bom, o projeto já vem com uma bagagem de fãs interessados e dispostos a embarcar nisso. É indiscutível que a essência de Mamma Mia! não se restringe apenas ao ABBA, mas é totalmente conectado ao carisma explosivo -- ora emocionante, ora engraçado -- de Meryl Streep. O charme ingênuo de Amanda Seyfried não fica tampouco de fora. O filme segue com um ritmo sagaz e traz alegria pra quem assiste, alguns dos inúmeros pontos positivos.

A trilha sonora foi arranjada pelos dois integrantes homens do Abba, Benny Andersson e Björn Ulvaeus, especialmente para o filme. O elenco que nunca havia cantado é no mínimo curioso pra essa "especialidade". No bom sentido, sem dúvida. Meryl Streep se esforçou ao máximo para conseguir dar o tom da personagem nas melodias "voláteis" do quarteto sueco dentro do estúdio, chegando também a cantar de verdade [mesmo que com playback no fundo] todas as músicas no momento da gravação. Observe isso na tomada de "The Winner Takes It All" -- entre lenços voando na ventania, a emoção no ar e as montanhas ao fundo -- boa parte de sua reação é mesclada ao som.

Momentos memoráveis não são só estes. A cena "mãe e filha" com a tocante interpretação da canção "Slipping Through My Fingers" entra para o clube. Ainda é possível acompanhar a descoberta dos três outros protagonistas que eles podem ser o pai de Sophie tudo ao som contagiante de "Gimme! Gimme! Gimme!" e "Voulez-Vous" antes do casamento. Chega a parecer um videoclip gigante com um tratamento especial. Todos estão unidos, há liga, empenho. É ótimo. Fantástico.

Ok, existem algumas partes "isso não precisava". Normal. Não são muitas. Mas nada que atrapalhe o geral na minha opinião.

Cenário dos mares azuis da Grécia... Um tanto de inocência e uma certa quantidade de comédia leve mas inteligente... e uma reviravolta compensadora no foco final para os fãs de Meryl. Resultado? A maior bilheteria no Reino Unido tirando do topo da lista o Titanic que ocupava a posição há dez anos, sendo o DVD mais vendido lá no primeiro dia de lançamento... além de ser o mais vendido de todos os tempos batendo Star Wars.

Meio desnecessário me prender à explicação da sinopse nua e crua ou dizer que fez sucesso nos palcos antes de ir pra versão cinematográfica de 2008, não é? Mais fácil terminar o post com as palavras de alguém que sempre detestou musicais: assista este!

GREEN day

2009-10-30T01:59:00.015-02:00

"Regrets, I've had a few, but then again, too few to mention.
I did, what I had to do, and saw it through, without exemption.
I planned, each charted course, each careful step, along the byway"

Um tempo daqueles que pensam fazerem alguns pensarem. Um tempo pra fazer uma postagem que seja útil. Tempo... Tempo... Se não botar a mão na massa, ainda que despejando as idéias todas assimétricas na pequena enciclopédia de você mesmo chamada blog, nada aparece sozinho. O nobre tema proposto pelos amigos Jay e Alê do Ká Entre Nós? "VIDA VERDE: Encontros de práticas para uma vida simples, natural e sustentável." Facilmente difícil e vice-versa.

A opinião sincera do autor... hum...,
na brecha bem informal que o They Watch Us me permite...

Às vezes já é tanta gente falando, e falando quase exatamente do mesmo jeito exaustivo de sempre, que ninguém pára pra pensar "opa, cadê?", sabe? Passou do moralmente afastado para a negligência consentida. No meu modo de ver, por um lado, já existe um determinado tipo de propaganda que já não é mais capaz de fazer um simples cidadão voltar seus olhos pro que vê e pensar que ele até pode não ser o único responsável pelos desastres do mundo, mas... poxa, uma coisa ou outra que faz sempre está errada e mudar isso significa bastante.

Esse... Um dos... Hum... Meu motivo pra entrar no dia do Planeta Verde. Na esperança da corrente por meio virtual crescer, fazer a diferença... ainda que possa demorar um pouco. Mas vou poder dizer: estive lá. Estive no primeiro, hehe. E claro, expondo algumas das minhas [entre tantas] revoltas.

Saia na calçada de sua casa. Olhe pra lá... depois olhe pra cá... Vai me dizer que nunca viu um ser queimando os lixos dele num montinho em baixo de alguma árvore? Aquele fogo se alastrando pelas folhagens ao redor, matando flores e/ou trabalhos de outras pessoas que se dedicaram a cultivar aquilo? Ou até mesmo cortando essa árvore e se achando o Superman do bairro? Perceba antes de tudo, no entanto, ironicamente, que a casa dele fica há uns dois quateirões dali. Se o indivíduo não se importa nem com as pessoas, quanto mais com a natureza. É claro, sem contar com aqueles que saem queimado matagais. Sim, queimando. Tenho a vontade insana de um dia perguntar pra algum destes qual a intenção. A redução do trabalho que seria simplesmente cortar ou aparar -- um terreno que provavelmente nem lhe pertence --, compensa mesmo os custos futuros da ignorância?

Apesar de tudo o que mais me entristece é perceber que muitas vezes a ação de "não se fazer" algo contra a natureza tenha que vir necessariamente apartir da idéia do que aquilo pode representar depois, e não propriamente pelo simples fato de você apreciar o verde. Apreciar, se sentir parte daquilo. Uma vontade interior que seja o antônimo da destruição.

"O menino descansava de bruços na grama, o queixo apoiado nas mãos. De repente, sentiu-se invadido por uma percepção exacerbada das raízes e dos caules entrelaçados, uma floresta em microcosmo, um mundo transfigurado de formigas e besouros e até -- embora na época ele não soubesse dos detalhes -- de bactérias aos bilhões no solo, sustentando sileciosa e invisivelmente a economia do micromundo. De repende, a microfloresta de grama pareceu inflar e se unir ao universo, e à mente extasiada do garoto que a contemplava. [...] Em outro tempo e lugar, aquele menino podia ter estado sob as estrelas, fascinado pela Órion, pela Cassiopéia e pela Ursa Maior, com lágrimas nos olhos pela música inaudível da Via Láctea, intoxicado pelo perfume noturno dos jasmins e das solandras num jardim africano. Não é fácil responder por que motivo a mesma emoção levou meu capelão para uma direção e a mim para outra."

Richard Dawkins

Bom, não sei se cumpri,
tenho certeza que fugi do tema, mas tentei ser objetivo
e mais... dizer o que penso.

não conseguia imaginar de outro modo...

Parabéns Ká Entre Nós.

ESTRANHA Paixão

2009-10-19T03:55:00.033-02:00

ALL FLAVOR. NO BITE.

Pessoas que necessitam da ingestão de sangue para viver. A magia do corpo humano não precisa ser entendida, ela funciona do mesmo jeito, queira você ou não. Estar morto é apenas uma diferença. Conviver abertamente com os vivos, outra. Ter uma garrafinha de O-neg sintético pode facilitar mais ainda. [...] Uns estranhamente apaixonados, alguns engenhosamente insanos. Agora misture um pouco de assassinatos inexplicáveis, cenas não tão usuais, suspeitas e mistérios a serem resolvidos apenas no último episódio da temporada. Pronto, você tem um novo nome na televisão.

Desde que a série foi ao ar, em uma época em que vampiros estavam em alta mas nem tanto como agora, True Blood ganhou um destaque gigantesco na internet e na minha estante. Não existia um único forum sem citar os encontros de Sookie e Bill. Quantas pessoas começaram a acompanhar em razão disso? Crepúsculo já havia sido lançado no Brasil, "se não me engano". Vampire Diaries ainda era um livro apenas, "eu acho". Anne Rice só existia nas edições antigas da Rocco e na mente daqueles que ainda se lembravam de Lestat. Talvez a população de Bon Temps dos livros de Charlaine Harris não tenha sido uma invenção única, mas transportá-la para a televisão foi uma investida inteligente da HBO.

Figuras com personalidade, talvez alguns com um linguajar não tão apropriado mas no mínimo engraçado, lotam a temporada. Ame-os ou odeie-os, o convite está nítido. Há um ritmo próprio, aceleradamente compreensível. Talvez uma série que, tirando pelo romance inicial, é necessário um pouco de paciência nos primeiros episódios pra poder entender de fato aonde aquilo está querendo te levar. Não, não é de cara que você percebe. Mas uma coisa, para o simples e humilde autor do blog, é fato: os atores foram bem escolhidos e os episódios que em média duram 55 minutos estão impregnados com qualidade um tanto cinematográfica.

Anna Paquin [por coincidência, a Vampira de X-Men] e Stephen Moyer, casal na vida real também, dão vida ao projeto ousado de Alan Ball [criador de Six Feet Under] que já conseguiu mais temporadas aprovadas na bagagem. Não entendeu o ousado? Curiosamente o Prêmio Anatômico Anual do Mr. Skin, que segundo a Wiki "celebra o sexo e a nudez em filmes e na televisão", premiou True Blood em sua 10ª edição como melhor show de TV. O mais interessante de tudo isso? Piadas a parte? A trilha sonora, claro, outro ponto do post.

O CD combina um jazz com country, oldies e rock, bem estilo True Blood que vale a penas ser ouvido. As músicas tocadas em cada final de episódio, selecionadas ironicamente de acordo com o tema, ilustram bem o caráter da compilação. Muitas canções boas foram cortadas do disco original, infelizmente. "Red Eyes and Tears" do Black Rebel Motorcycle Club e "Cold Ground" do Rusty Truck são duas. A faixa em destaque definitivo vai para a música tocada na inusitada abertura [uma das melhores pra mim], Bad Things, pela voz peculiar de Jace Everett.

> PLAY_list

01. Bad Things - Jace Everett
02. Bleed 2 Feed - CC Adcock and The Lafayette Marquis
03. Lake Charles - Lucinda Williams
04. Give It Up - Lee Dorsey
05. Swampblood - Th' Legendary Shack*Shakers
06. Play With Fire - Cobra Verde
07. Just Like Heaven - The Watson Twins
08. Christine's Tune [a.k.a. Devil in Disguise] - The Flying Burrito Brothers
09. Two - Ryan Adams
10. Strange Love - Slim Harpo
11. From a Whisper to a Scream - Allen Toussaint
12. I Don't Wanna Know - Dr. John
13. The Golden State - John Doe feat. Kathleen Edwards
14. Bones - Little Big Town

Na playlist acima, entre algumas embaladas por um grunge diferente, por vezes até meio folk, ainda é possível encontrar nomes como Ryan Adams em "Two", C.C. Adcock em "Bleed 2 Feed" e duetos como em "The Golden State" com John Doe e Kathleen Edwards.

PS. Em Portugal a série ganhou o nome de SANGUE FRESCO.

A Busca de um Neurótico

2009-10-18T09:37:00.005-02:00

Noite chuvosa... Madrugada de livros, conversas e música... Manhã ensolarada... Eis que o blog amanhece magistralmente de cara nova. Não sei se vão gostar ou não mas eu realmente precisava trocar o antigo. Nesse o texto fica mais alinhado, espaçado. Demorou um pouco pra achar um novo look pro espaço. É, talvez um tanto a mais do que deveria devido a neurose do dono. Mas mudanças são sempre bem-vindas, não são? Agradeço a paciência e ajuda do meu amigo Cristiano do blog Apimentário. Depois de 7 meses na estrada o They Watch Us, mesmo na primeira temporada, sofre modificações, hehe.

Entre outras tarefas aproveitei pra revisitar todos os posts e editar os temas, os que você encontra etiquetados ai ao lado nos marcadores. Pensei que ia ser um tanto maçante, tinha certeza disso. Mas não foi, muito menos cansativo. Entre um copo de água e outro, foi bem interessante rever quantas mudanças já teve mesmo sem eu perceber. Por outro lado sempre é difícil definir o que é uma coisa ou o que é outra. Ou mesmo se você, quem sabe, vai pretender inserir mais. Conexões que deixam qualquer um louco.

Mais mudanças além dessa? Só vendo.

he was THERE

2009-10-09T19:17:00.026-03:00

Fico me perguntando como escrever aquilo que já não tenha sido escrito. Ainda que seja através do meu olhar ou minhas palavras, ou meu modo tosco de pensar. Mas paro, me distancio, me deparo com algo e então venho aqui... digitar sem saber aonde e no que vai dar. E se eu não estivesse aqui? Se o blog fosse de outro?

NÃO estou lá.

Esse é o título do filme inspirado livremente sobre as várias faces de Bob Dylan lançado em 2007. Mas a minha sensação, de verdade, é a de que eu não estava mesmo lá quando fui assistir. Este entra na minha classificação daqueles que "quando você assiste fica em dúvida e se cansa um pouco, mas depois tem uma lembrança até que boa". É, me contradizendo um tanto, um excelente título para se ter em DVD, mas melhora se você avaliar o elenco e os momentos separadamente. Permita-me explicar.

O longa tem todo um tom poético impresso, uma fotografia bem diferente e bonita, a trilha sonora impecável [já que eu ouço Bob Dylan], ângulos e composições de câmera interessantes. A época e os cenário ajudam. Atuações inclusive. Cate Blanchett vestida de homem -- impondo aquela arrogância sarcástica de alguém que querendo ou não critica o mundo e irrita os outros com trejeitos de negligência e o cigarrinho sempre na boca -- é espantoso. Único. Mas sem sair muito do que eu queria dizer... sabe quando palavras demais não fazem você engolir a "leitura" daquilo? Como se fosse algo "culto" propriamente "forçado" a ser culto? Pelo menos em algumas tomadas? E ainda, sou totalmente a favor de criar um filme todo ao inverso, diferente ou até mesmo [principalmente] polêmico [mesmo que esse nem seja], inclusive gostaria de um dia fazer isso... mas o modo como as seis diferentes "vidas" de Bod Dylan foram misturadas às vezes no mesmo plano e sem nenhum tipo de conexão me deixou um pouco cético. Ainda continuo sem uma opinião definitiva/concreta sobre o todo, mas sei que ela não declina.

As duas horas e alguns minutos que o espectador passa em frente a tela servem para o fazer comparar com algum dos outros trabalhos do diretor Todd Haynes, como Velvet Goldmine de 1998 [não lançado até então em DVD no Brasil]. A forte trilha sonora é um dos pontos, por exemplo. De uma playlist lançada em disco duplo, apenas uma das músicas, "I'm Not There" de 1956, é interpretada por Bob.

Comprar a edição dupla especial lançada pela Europa Filmes em widescreen é um vantagem para qualquer colecionador: ter registrado, acima de tudo, uma das últimas atuações, antes de O Cavaleiro das Trevas [Coringa] e O Imaginário do Doutor Parnassus [Tony], de Heath Ledger. Heath faz um Dylan um tanto mais calmo, e não tão distanciado de tudo, que luta contra os paparazzi depois de -- na estória -- atuar nos cinemas. A atmosfera de "ainda-mocidade" com tons azulados o acompanha. Também, conhece uma artista francesa interpretada pela atriz e cantora Charlotte Gainsbourg, se casa e logo depois enfrenta nos tribunais um divórcio e luta pela guarda das filhas.

Christian Bale e Richard Gere não ficam para trás mas não representam o destaque de Não Estou Lá, na minha visão. Marcus Carl Franklin, um menininho que sai tocando pelas ruas e enfrentando a vida já como um adulto em diálogos ágeis é, por sua vez, realmente impressionante. Por último, Ben Whishaw [o da última ilustração] faz um belo par de Dylans com Blachett -- não está lembrado dele? [Re]assista "Perfume - A História de Um Assassino". É ele lá.

O que dizer de um filme biográfico que não é uma biografia? Ou tentar transmitir sobre um musical que também não é um "musical"? Não sei.

"How does it feel
How does it feel
To be on your own
With no direction home
Like a complete unknown
Like a rolling stone?"

[ps. Michelle Williams também está no filme.]
[ps. 2 Em nenhum momento, exceto nos crédito iniciais, o nome de Bob Dylan aparece]

O Primeiro Filme DEAN

2009-10-07T15:40:00.023-03:00

PAIS & FILHOS
"Man has a choice and it's a choice that makes him a man."

Precisamente no começo do mês comecei a assistir muitos filmes que de alguma forma me surpreenderam. Confesso, não esperava tanto, nem metade, mas fiquei sem palavras de acordo com o desenrolar de tais. "Vidas Amargas" é um desses. Um clássico que comprei como um tiro no escuro pra completar a minha coleção James Dean. Sem mais nenhum no estoque, só aquela única edição dupla olhando pra mim. Já era meu. Colecionar dá prejuízo, mas é um prejuízo bom e recompensador. Não sei se é o momento certo de escrever sobre ele aqui e nem [principalmente] o jeito certo, mas me pareceu interessante, de alguma forma, registrar. Nem que seja por um post pequeno, ou quase isso.

Não são todos os clássicos que continuam atuais e fazem você seguir o desfecho e esquecer da vida. Ou até mesmo ficar com aquilo na cabeça depois. De 1955, é o primeiro filme que James Dean não tem apenas uma "aparição extra", é o primeiro a levar seu nome como o personagem principal e o primeiro a lhe nomear ao Oscar. O primeiro a aparecer no blog.

Pra quem nunca leu sobre: a história gira basicamente sobre dois irmãos que cresceram sem a presença da mãe, achando que ela havia morrido logo ao nascerem. Um deles, Aaron [Richard Davalos], recebe todas as glórias por parte do pai. Cal [Dean], por outro lado, se sente aparentemente rejeitado e parte da revolta silenciosa que isso causa nele é mostrada na explosão de atuação lá pela segunda parte do longa. Segunda parte que por si já valeria como um filme completo. Além da busca pela mãe, o contato com a namorada de seu irmão vai se intensificando [mas de um modo bom, que você entende]. Pra fechar com tudo isso, os fracassos do pai com suas ambições financeiras somado ao ambiente de estouro da 1ª Guerra Mundial é o cenário da revolução que a família começa a passar.

De alguém obscuramente excêntrico e sem nada a esperar da vida, com comportamentos selvagens e "compreensivelmente incompreensíveis", o personagem de Dean vai aos poucos ganhando força e se revelando. Talvez a história de Caim e Abel? Certeza. Até mesmo no filme citações são feitas já que o grande patriarca é bastante religioso. Bom, perceba essa relação no próprio título original, East of Eden -- ou, A Leste do Paraíso, em Portugal.

POUCOS/ALGUNS SPOILERS
o final e as cenas
[Se você ficou curioso e pretende assistir... o post terminou, meu amigo. Caminhe para o fim da bilheteria.
Se você já assistiu/não se importa/não pretende, é bem vindo a continuar.]

_relembre-se_
CENAS MEMORÁVEIS [dentre muitas, e fora de ordem... possivelmente]

* Devido a comentários de pessoas próximas, Cal começa a ver que seu pai de fato é um bom sujeito. A cena em que o olha reclamar dos alfaces pelas costas e sorri é simples, mas demonstra tudo.

* Pensando em mudar de comportamento pois "o homem tem suas escolhas e são elas que fazem dele um homem", pede 5 mil para investir em uma plantação de feijão à sua mãe depois de confrontá-la [viva, claro].

* Um diálogo entre os dois coloca em prova o quanto irônico é a situação de acordo com sua mãe. Cal ri e ela entende o motivo. Certas histórias são sempre as mesmas.

* A plantação surte efeito e ele passeia dançando sobre ela, agora provaria que seria o filho bom.

* Tempos depois prepara a festa de aniversário do pai com mais do que carinho para nesse dia lhe devolver toda a perda com o fracasso de alface.

* Já dizendo que não consegue imaginar nada melhor que o presente de Aaron, o pai abre o envelope. A reação de Dean é perfeita quando o dinheiro é negado. É como se o filho estivesse sendo, também, explicitamente negado. O pai não aceita por ser "lucro através da guerra". Cal no auge de todo o ressentimento passado se curva sobre a mesa e então abraça o pai chorando, "te odeio". E sai chorando alto porta afora.

* Lá pelo final do filme Cal se arrepende do surto de vingança que teve mas já é tarde, o pai está paralisado por um derrame e prestes a morrer. Cena memorável de Julie Harris. Mas não tão quanto ao encontro do filho. A explicação de sentimentos e o perdão machuca o espectador mas é o climax do "primeiro" filme do ator que fez sua fama e em tão pouco tempo nos deixou.

Amargo pra mim continuando sendo, um pouquinho que seja, o título para o Brasil. Ainda que condizendo, querendo ou não, com parte da trama.

Talvez alguns, os que gostaram do filme, entendam o motivo do "Overture" para um longa de 2 horas. Só E O Vento Levou pode ter esse privilégio? Hum.

[ps. o filme é baseado no romance homônimo de John Steinbeck de 1952]
[ps.2 Elia Kazan [mesmo diretor de Uma Rua Chamada Pecado] aproveitou a tensão real causada entre James Dean e Raymond Massey [seu pai no filme] para rodar o longa. O motivo? Dean não gostava de ficar preso à uma atuação comum/sem interação... e acabava explorando bem mais a cena, o que levava Massey a ficar descontente. O diretor? Aprovava Dean e o mandava continuar.]

LOVE, STEPHEN KING & LISEY

2009-09-29T08:35:00.023-03:00

LOVE - A História de Scott
Babyluv, gelo e os dois loucos...

"Where do you go when you're lonely?
Where do you go when you're blue?
Where do you go when you're lonely?
I'll follow you
When the stars go blue"

Ryan Adams

Warning: mais uma vez o dono do blog pede desculpas por ignorar a reforma ortográfica. Algum dia, quando estiver com boa vontade e achando que a civilização faz coisas ótimas, ele resolve se atualizar apropriadamente.
Warning 2: dosagem de spoilers: 10%.
Warning 3: o que eu lembrei fui colocando. não ligue quanto a distribuição de parágrafos, fazer sentido as vezes é muito chato. informal é melhor.

Já dormiu com uma música alta tocando na caixa de som e acordou alarmado pensando que estava surdo de um lado? Se estava com algum fone de ouvido, acendeu a luz e pensou "nossa, tá muito alto, vão ouvir". Um segundo depois apagou a luz em vez de reduzir o volume? Não, melhor... algum amigo já te ligou enquanto você estava dormindo? Pra achar o celular e apertar Send foi facinho, pra retornar ele na mesa depois de desligar... mais ainda. Mas e pra lembrar o que foi que você disse, também foi?

Pelo menos é uma beleza quando você resolve sair de bem com a vida. Pra rua que seja. No caminho só encontra gente bonita, elas sorriem pra você. Aquele vento em contramão joga folha e terra no seu olho, mas fazer o que... é a natureza. Ventania? Não, uma brisa boa só. De repente você chega ao seu final destination e lá naquela loja, o ou que seria uma pequena loja dos horrores, tudo muda. A música da Xuxa ao fundo não te irrita, te faz lembrar de quando você era criança e ai sim te irritava. Gente conversando no balcão? Não. Não e não. Ninguém está se jogando sobre o vidro daquilo estragando toda a limpeza. Um cara de terno bem arrumado pergunta para a atendente, bonita e achando que a vida é uma beleza, se ela gostava de conversar com os clientes. Ela ri e diz que não são todos, só os que ela começa a gostar. Você dá aquela risada meio pra dentro, achando óbvio que nem vão te perceber fazer aquilo, e pensa "É o mundo. Brasil, né, filho." Quando estiver saindo e polícia pintar no meio do caminho não tem problema nenhum, um Prison Break ao vivo não faz mal pra ninguém, dá ação. Os caras não vão te parar nem nada. Tá de noite e ameaçando cair aquela tempestade e ainda faltam no mínimo uns 20 minutos pra você chegar em casa? Também não há problema. Que caia a chuva, ela serve pra lavar. Claro, vai lavar seu RG [que não é mais plastificado], seu celular e seu dinheiro inclusive, mas e dai?

Você finalmente chega em casa e descobre que no fundo não existem só pessoas achando que a vida é uma beleza [not always so sweet home], quem sabe até dá vontade de voltar pra loja ["não são todos os clientes"] nessa etapa. No entanto você vê por outro ângulo a diferença de como é ficar estressado e reclamando, não vale a pena. Quem perde é você. Então, entra no seu quarto, o pequeno templo do caos, e em cima da sua mesa aquele seu livro pra você terminar.

Love, de Stephen King, é um que você vê no primeiro dia de lançamento estampado nas estantes e com banners pela internet. No 2º dia simplesmente parece que já foram parar no fundo da loja, nas estantes, nos armários, no estoque ou seja lá onde for. A razão disso eu desconheço. Talvez porque Stephen King é famoso o suficiente para poder bloquear determinados "dispêndios" com propagandas a la Globo? É, vamos deixar os livros de Saris, Índia, Cabanas, Vampiros e Afegãos na frente. Ou será que não conseguiram vender tanto? Bom, público alvo não precisa de advertising, vai direto no setor. Calma, não tô sendo extremista, tem muita gente que odeia o cara também. Mas eu não sou um desses. Claro, odiei quando fiquei sabendo de certas declarações a respeito da Stephenie Meyer. Uma semana de raiva dizendo "Inveja só porque não consegue mais escrever livro diferente e ciúme dos bloodsuckers alheios..." não abalou isso. Depois de ter lido uma boa pequena-grande quantia dos trabalhos dele [e do filho também, que merece crédito, post futuro quem sabe] adicionei esse meu pensamento rebelde no mesmo raciocínio... entende? Tomei ação e lá fui.

Vai dizer que se você lê uma citação do The New Yorker dizendo "Quem poderia imaginar que o homem que passou os últimos trinta anos nos matando de susto iria produzir um romance sobre o tipo de amor que nos carrega pela tristeza do luto?" não fica meio "É, sei lá, estranho..."? Quando se trata de um assunto assim ou é bom demais ou você detesta, arrasta por semanas até acabar ou não desistindo. Na contracapa, "Todo casamento tem dois corações, um claro e um escuro..."

A verdade é que quando penso em Love não consigo distinguir partes de um todo. O modo como ele escreveu não te permite dizer "Este é o começo. Este é o meio. Este é o fim." Ás vezes mais do que em qualquer livro seu. Curiosamente o subtítulo aqui no Brasil não passa do título original dele, "A História de Lisey" ["Lisey's Story" - pois é, estranhe mesmo... não, em inglês ele não se chama Love, só aqui em tupinikin], e também não passa, por sua vez, de ser bastante irônico quando você começa a de fato se questionar sobre o que está lendo. O leitor é jogado num mundo de emoções frustradas de Lisey, esposa do falecido e grande escritor Scott. Sim, o narrador é em terceira pessoa mas isso não faz com que em alguns momentos você tenha uma impressão perfeita de que quem está alí ao seu lado te contando em itálico coisas que chegam a ser quase impossíveis de serem passadas pela mão de outro cara seja a própria Lisey. Capítulos a frente você se esquece e é transportado para uma janela indiscreta sobre a vida de Scott. Quem é ele? O que fez, fazia ou não fazia? Ou, qual o motivo desse segredo todo durante um pouco mais de 500 páginas? No momento presente da estória, poucos anos após a morte, a história é de Lisey ou de Scott?

Passando para as características centrais do romance... Amanda, uma das irmãs de Lisey, a meio louca é uma daquelas personagens que a presença é até discutível. Só pelo final então que você percebe que não era bem assim. Mandy tem uma posição de encaixe em que sem ela nada faria sentido, nada se completaria, ou... se ligaria. A única que compreendia Scott em seus momentos estranhos, em seus desaparecimentos, sua conexão com o mundo real depois, óbvio, de Lisey e seus contos.

A linguagem usada é bem estilo King, pra quem já leu entende. O autor usa frases entre parênteses no meio de parágrafos [interrompe ele, pula uma linha, abre um parênteses, pula outra linha e continua], negritos em fonte maior no decorrer da narrativa, expressões próprias da vida dos personagens como se criasse um dicionário de relacionamento que você tem que entender ["babyluv" - provavelmente a razão do título Love], frases soltas simbólicas como sussurros e avisos inesperados ["Bool, fim!", "engatilhe!"], músicas [o country antigo de Scott com Hank Williams em "On The Bayou", "me gotta go, me oh my oh"] e objetos [caderninho de anotações, escritório, uma colcha de casamento e a famosa "pá" que ilustra a edição norte americana, por exemplo].

Claro que não pára por ai, esse trabalho tem um significado especial em relação direta aos seus outros. Citações repetidas exaustivamente em trechos que fazem total sentido [como "todos os argumentos contra a insanidade caem por terra"] já apareceram em outros livros seus [no caso, um poema em "O Iluminado"]. Outro ponto são os flashbacks ou "flasbacks de flashbacks" que aparecem sem mais nem menos e se mesclam quase sem você perceber. Uma olhada para o canto e você tem que voltar o parágrafo inteiro para não engavetar o entendimento. Tudo isso sem ser chato, ou mesmo pesado. A leitura flui, quem sabe até mesmo pelo tom de parceria com o leitor que ele propõe ["o lance das irmãs"]. Você não só acompanha, você faz parte.

É exatamente nos primeiros flashbacks que conseguimos ter acesso ao drama vivido pelo marido de Lisey quando criança e no que isso o transformou. Primeira pausa para uma coisa que eu preciso dizer. Chega a dar dó de Scott, o mesmo que Lisey sente ao descobrir. A maneira como ele conta é perfeita: a voz carregada pelo choro segurado e pela fala combinada [involuntariamente] de trejeitos de sua infância e adolescência é idêntica a um filme. Também é em um dos flashbacks que entendemos o conflito agora adulto que Scott teve depois de ter se tornado famoso, quando sofre um atentado nas primeiras páginas ["você me trouxe gelo"] na inauguração de uma biblioteca e mal dá para imaginar que isso ainda iria "ocorrer" mesmo depois de morto. Os dois loucos... Como? Só lendo pra saber. Lisey que o diga.

Falar, falar, falar e não "dizer" sobre a estória é muito fácil. Love é uma parábola e os elementos dark de Stephen não tardam a chegar. O autor encaixa a realidade crua e brutal gradativamente com o que pode ser chamado de surreal, é uma esfera crível se você me entende. Como se fosse um ambiente meio Lost lá pela sua 3ª temporada. O ápice disso chega no último capítulo. Fácil... Ou não. Pense em um lugar. Você vai neste lugar quando precisa, quando está com medo. Não é imaginação, tampouco real. Um lugar onde há o lago em que "todo vamos beber". Este lugar é diferente e ao mesmo tempo igual para cada pessoa. Lá você resgata quem precisa, conserta o necessário. Boo'ya Moon é tal como Manda. Boo'ya Moon é tal como a essência de Scott. Boo'ya Moon é o lugar onde o maior presente de Lisey deixado por ele se encontra. Muito mais do que uma "RC Cola".

Muitas cenas de "Love" renderiam um excelente drama cinematográfico como algumas de suas adaptações [só algumas, "só algumas", na minha opinião] mas não seria nem de perto suficiente para passar as sensações e sinestesias ao público. E não digo no geral como percebemos já em grande escala em versões literárias que ganham vida. Por ser essa "parábola" surreal muita coisa acabaria por se perder mais do que em outros casos ou mesmo não fazer sequer nenhum sentido por mais que seja explorado/modificado. Segunda pausa. Sabe que minha dúvida se seria impossível mesmo até some quando assisto ao "1408", um conto seu na pele do John Cusack?

"Love - A História de Lisey" foi escrito em 2006 e lançado aqui no Brasil, se não me engano, em 2008. Mas "foi" lançado, né? Vê "Duma Key", escrito em 2008, ainda não foi publicado aqui. Tá começando a cansar a espera, se eu ver um desses capa dura compro o em inglês mesmo. "Under the Dome", deste ano, ainda não deu sinal.

Enfim...
Se tiver como, leia Love, vale a pena, na minha opinião, claro.

[PS. I know, eu tenho selos, tenho comentários a retribuir, visitas a fazer... Não fiz nada disso ainda mas resolvi postar isso hoje antes que o mês acabe e bau bau =] Entende, né?]

Um Post Diferente

2009-09-16T20:33:00.012-03:00

Um dia, um desenho...

-- uma tentativa diferente de postar --
[_updated_]

Leitor... o editor de textos do blogspot não quis contribuir se você entende... Clique na imagem para abrí-la maior em uma outra aba ai do seu navegador. Se puder é claro... Achei legal de postar algo diferente.

E ae? Desenhei quando não tinha nada pra fazer, é meio um outro hobby.

Lembrou quem é o cara? Bom, era pra ser de um filme...

[Ahh, e desculpa pela tortuosidade, hehe. era só um rabisco por que essa não é minha área =] ]

Acertou quem disse A Outra História Americana.

Ficou com uma cara meio estranha, eu sei. Ele não tá tão velho e bravo na capa do filme... mas... =]

Té por ai...

James Matthew Barrie

2009-09-02T18:38:00.033-03:00

Post Especial
J.M. Barrie & Peter Pan

"And Peter Pan chose this particular house because there were people here who believed in him."
Uma Postagem Em Especial

Postagem de retorno de férias é meio tensa, não é não? Às vezes bate aquele nervoso de postar alguma coisa que preste pra não arruinar tudo ou então pensarem que eu surtei e resolvi deliberadamente destruir meu blog depois de tudo, hehe. É, vê? Por isso que o tempo ajuda. Esfria as idéias, a maneira como você olha pras coisas ou pra você mesmo, aquele seu humor estranho e outras pirações que até agora os humanos meio que são os reis em demonstrarem. [Aviso aos navegantes: está tudo fora de ordem, escrevi conforme fui lembrando, hope you like.]

Eu, alguma segunda-feira, 7 da noite. Parei de ler a revista e levantei o olho pra minha estante tirando o fone de ouvido. Lembrei de um livro, talvez o primeirão de criança mesmo, e lá estava ele. Um tempo tinha sido do meu pai de quando ele ainda aprendia a ler [pelo que eu soube]. A data e o nome dele estão lá a caneta. Quando mostrei pra ele, a única reação que ele teve foi um olhar torto segundos depois. E isso decerto não por causa do livro, acredite, mas pelo meu comentário irônico "Existia papel já naquela época..., que louco."

Beleza, o livro era [é] uma versão de Peter Pan do Monteiro Lobato com algumas poucas ilustrações estilo caneta nankin [de André Le Blanc, como tá no início] ocupando uma página inteira, sabe? E pois é, eu só fui me interessar em ler ele na época por que até então eu não conhecia a estória toda e diversas vezes que via aqueles VHSs sacanas de Magic English aparecia a figura do personagem da Disney, o único que não tinha assistido. Eliminei o livro em uma tarde e aluguei o filme na outra. Um mês depois comprei a fita de edição de aniversário [essa de 45 anos especial ai ao lado] que já estava quase esgotada.

"The Boy Who Grew Up"
Os Garotos Perdidos e Seu Criador

Provavelmente você já deve ter visto ou ouvido falar do filme Em Busca da Terra do Nunca [se não viu, vá]. Eu não vou comentar muito porque dá pra fazer um post único sobre ele e dá dó de não fazer. Tá lembrado que o personagem do Johnny Depp, J.M. Barrie [James Matthew Barrie], o escocês autor de Peter Pan, tinha muita amizade com a personagem de Kate Winslet e seus filhos? Veio na cabeça aquele menininho que fazia um dos irmãos? É, aquele mesmo ator de Um Som do Coração e o Charlie do remake de A Fantástica Fábrica de Chocolate? O nome dele é Freddie Highmore, mas no filme interpretava Peter. Foi exatamente essa uma das explicações para o surgimento do nome do menino que não queria crescer.

A idéia, porém, que muitos sugerem ter sido a inspiração direta vem de seu irmão mais velho, David, que morreu acidentalmente aos 13 anos patinando no gelo. No livro de 1979, "J.M. Barrie e os Garotos Perdidos" ["acho" que não lançado no Brasil], Andrew Birkin conta que foi uma perda tão catastrófica para a mãe do autor que ela retirou o conforto no pensamento de que tendo David morrido tão jovem, permaneceria um rapaz para sempre.

J.M. Barrie mexeu exaustivamente com o personagem de Peter Pan [Pan = "malévolo deus grego das florestas"] desde sua primeira aparição ao mundo em 1902 no O Pequeno Pássaro Branco lançado posteriormente em volume único [também não me pergunte se o traduziram por aqui], fazendo adaptações ficcionadas, uma versão em peça teatral e republicações desde então.

O nome Wendy já era usado raramente nos EUA e Reino Unido, mas diversas fontes trazem que este foi introduzido em especial ao público em 27 de Dezembro de 1904, sua primeira perfomance da estória em questão nos palcos. Margaret Henley, amiga de Barrie, o chamava de "Friendy" [uma espécie de forma carinhosa de "amigo"]. O problema era que os Rs não eram tão bem pronunciados por ela, o que soava como "Fwendy". Em contramão, se o nome apenas tinha sido popularizado e não introduzido, ele era relacionado com o galês "Gwendydd" [algo como /gwen-deeth/] e foi usado numa época em que os nome galeses começavam a estar na moda entre os ingleses.

James Matthew foi nomeado co-tutor daqueles irmãos mostrados no filme depois da mãe deles, Sylvia Daves, ter morrrido de câncer. Sua excelente relação com os mesmos foi mantida ainda depois de crescidos. Em 1929 doou todos os direitos autorais de Peter Pan para o hospital londrino para crianças Great Ormond Street Hospital. Segundo a Wikipédia, "Ao longo dos anos, verificou-se que o presente fora mais valioso do que ele jamais poderia imaginar."

Em 2004, 67 anos depois da morte do autor de pneumonia aos 77 anos, o hospital infantil resolveu autorizar pela primeira vez uma seqüência [eu me recuso a verificar as novas regras ortográficas, é irritante isso, hum] para o livro Peter e Wendy. Geraldine McCaughrean acabou vencendo o concurso para encontrar em autores de todo o mundo alguém capaz de dar seguimento as estórias na Terra do Nunca. Com um resumo do livro e um capítulo em mãos ela foi aprovada e lançou o Peter Pan Escarlate internacionalmente em 2006.

O livro de Geraldine tem edição responsável aqui no Brasil pela editora Salamandra. Ainda não o li, mas pelo que pude entender através da sinopse é simples: sonhos "estranhamente reais" estão sendo espalhados pelo mundo e deixando objetos na cama de Wendy e cia. que, no tempo da narração, já estão adultos e possuem filhos. Agora, depois de 20 anos, o único jeito para se voltar a Terra do Nunca e desvendar o mistério é voltando a ser criança. A estória não pára por ai, é claro que com a ilustre presença do ainda garoto Peter, a jornada se bifurca em cenários já conhecidos como sereias e piratas... mas também lugares remotos onde há circos e bruxas. O site nacional está no ar, lá inclusive tem o 1º capítulo de amostra para poder ser lido em pdf. Por que Peter deixou de ser verde e retornou vestido de escarlate, não me pergunte. Assunto pra outro post, não é?

Se Johhny Depp conseguiu ou não passar o que era James Matthew realmente, nunca ninguém vai saber. Ou pelo menos nunca ninguém conhecido, ou próximo. Mas é quase certeza que a essência de Barrie foi transportada de forma excelente. Dá pra perceber, que o autor de fato era alguém humilde e que gostava realmente das crianças. Até antes de fazer esse post eu não sabia de que os direitos tinham sido transferidos ao hospital infantil. Isso por si já prova como era sua vida, já dá para entendê-lo um pouco que seja.

Seu legado não fica apenas por conta de Peter. Tirando alguns exemplos de romances escritos por ele, de fato com conteúdo nem infantil, hoje a conhecida Síndrome de Peter Pan, por exemplo, reconhece pacientes desde 1983 que se caracterizam por "comportamentos imaturos em aspectos comportamentais, psicológicos, sexuais ou sociais" -- mesmo sem evidências de que seja uma doença psicológica real.

"second star to the right, and straight on till morning"
As Aparições Mais Famosas de Pan

1. Distribuido pela Paramount em 1924, "Peter Pan" é um filme mudo tido como a primeira adaptação do chefe dos garotos perdidos no cinema. Se você comprar a Edição Platinum do filme da Disney, no disco de extras poderá conferir algumas cenas. Aquele preto e branco estilo sépia [como o começo de O Mágico de Oz] logo revela que Sininho já não é mais um simples brilho refletido como nos palcos de teatro, a pequena fada é representada por uma mulher.

Falando em ser representada por mulher, o filme de 1924 ainda trás no papel de Peter uma mulher, como era comum até então. Diz-se que o próprio Barrie escalou Betty Bronson para esse papel, escrevendo cenas adicionais. Detalhe: o crocodilo com o relógio também era uma pessoa vestida, assim como o personagem da Naná.

2. Em 1953 veio o então filme da Disney, acho que uma das versões mais conhecidas. Impossível não falar em Peter Pan sem se lembrar do rosto inconfundível daquele desenhado por Walt Disney.

Quando ele ainda era criança, Disney foi em uma das apresentações teatrais na época e cresceu com o sonho de animar aquela estória. Logo depois de "rodar" A Branca de Neve e Os Sete Anões em 1937, idéia de "Never, Never, Never Land" já estava sendo moldada.

Existe uma famosa foto de Walt agachado em frente a estátua em Londres de Peter. Sua intenção: ser o mais fiél possível ao que acreditava ser o personagem. Seu "caráter".

A versão dublada brasileira conta com a voz de Lauro Fabiano em Pan. Seus trabalhos mais recentes por exemplo foram em Dumbledore nos filmes de Harry Potter.

3. Em 1991 Spielberg lança "Hook - A Volta do Capitão Gancho". Robin Williams, Julia Roberts e Dustin Hoffman são alguns dos nomes do elenco que promove uma estranha continuação da fábula. Não posso dizer muito porque não o assisti, vergonhosamente, por inteiro até hoje e também porque querendo ou não já revelaria diversos spoilers. A sinopse pra quem não sabe... Hook sequestra os filhos de Peter e o obriga a voltar a Terra do Nunca. Espantado? Calma, não terminou. Peter já está com 40 anos. Parece o Peter Pan Escarlate ao contrário, não? O longa possui mais de 2hrs de duração e é um dos próximos da minha lista.

Pausa. Deixei de fora alguns tópicos como por exemplo uma animação japonesa, um documentário meio drama, a própria continuação produzida pela Disney relativamente recente, o filme live action recente também [até interessante, aquele do pôster do início] e o famoso especial da tv norte americana de 1960 com Mary Martin [que pode ser encontrado até o momento no YouTube] pra não alongar muito o post, não são todos que tem paciência para lê-lo por completo. É claro, não significa que são menos importantes. Cavar essas informações nos tempos em que as próprias distribuidoras [as brasileiras principalmente] não estão nem ai pra nada, é mais do que importante. Se pra elas o que importa são as vendagens e o dinheiro, pros interessados não.

[ps. Edições em dvd são sempre instáveis. quando não transformam um belo digipack especial de 4 discos em um estojo pobre simples e de 1 só, te fazem ficar sem algum título pois já retiraram do mercado. A Disney costuma muito fazer isso. O Rei Leão não existe mais em dvd, pelo menos por enquanto, ao que parece. Muitos outros já estão saindo do catálogo também. Bluray, sim, é uma opção, mas não são todos que possuem. É... caro, não tem jeito, é caro. Tente procurar nas lojas online por exemplo o Peter Pan... Em muitas você não vai mais encontrar.]

keep the w.